TOUT LE CINEMA QUE J'AIME

Charade

2006-12-04T16:42:00.000+01:00

Andreï Tarkovski

2006-11-29T02:50:00.000+01:00

Le site "Il était une fois le cinéma" consacre un intéressant dossier à A.Tarkovski, l'immense et trop méconnu cinéaste russe, réalisateur, entre autres, d'Andreï Roublev, Le miroir, Stalker, Nostalghia ou Le sacrifice.

Si vous ne connaissez pas les films d'une beauté à couper le souffle de ce réalisateur, précipitez-vous sur le site.
Si vous connaissez déjà cette oeuvre incontournable du cinéma, nul doute que vous avez déjà cliqué sur le lien!

J'ai très envie de publier un article sur l'un de ses films, mais je temporise...Trop beau pour raconter n'importe quoi!

Hommage à Philippe Noiret 2

2006-11-27T11:38:00.000+01:00

La fin d'Alexandre le bienheureux, d'Yves Robert.

Le témoignage de Jean Rochefort.

Hommage à Philippe Noiret

2006-11-23T22:18:00.000+01:00

Retrouvez Philippe Noiret dans le beau film de Bertrand Tavernier, La vie et rien d'autre.

Bande annonce de Zazie dans le métro : extrait audio

Drapeau noir sur la marmite : Philippe Noiret et Robert Altman nous ont quittés

2006-11-23T21:35:00.000+01:00

Philippe Noiret

Robert Altman

Le but de ce blog n'est pas de traiter spécialement de l'actualité.

Bien d'autres sites le font.

Ce soir pourtant je viens d'apprendre le décès de Philippe Noiret, après celui hier, de Robert Altman.

J'ai failli écrire "disparition" à la place de "décès".
Mais comment ces deux hommes pourraient-ils disparaître de notre mémoire?

L'image animée du cinéma va nous permettre encore longtemps de profiter du travail de ces deux artistes.

Shortcuts d'Altman est un film que j'ai beaucoup aimé.

Et je souhaitais dédier une fiche acteur à Philippe Noiret.
C'est ce que je ferai, en hommage à ce grand comédien, dans les prochains jours.

Je ne sais si la télévision, souvent chiche dans sa mémoire, programmera quelque chose.
Il y aurait le choix...

Portrait de Philippe Noiret

Portrait de Robert Altman

Pierrot le fou

2006-11-23T15:24:00.000+01:00

Quand avez-vous vu une bande annonce de cette qualité : mystère, littérature, musique, art !

Emotions, sentiments. C'est tout cela, rien que cela pour Godard.

L'histoire ? On s'en contrefout !

"Nous sommes faits de rêves et les rêves sont faits de nous".

Peu importe la logique dans ce que nous raconte Godard. Laissons-nous aller à la beauté.

Beauté des couleurs, de l'image photographiée par Raoul Coutard.

Beauté de la musique d'Antoine Duhamel.

Beauté des chansons composées par Boris Bassiak, chantées par Anna Karina.

Jean-Paul Belmondo (grâce auquel le film a pu se faire) et Anna Karina sont à leur sommet.

A sa sortie, le film fut très décrié et même interdit aux moins de dix-huit ans, pour "anarchisme intellectuel et moral".

Malgré cela, il remporta le prix de la critique au Festival du Film de Venise en 1965.

Une des répliques du film, dite par Anna Karina, est passée dans le langage courant : "Qu'est-ce que je peux faire ? Je sais pas quoi faire..."

L'écriture de Godard privilégie la rupture de rythme, les collages et les citations.

Comme le dit Tulard (Guide des films), il "donne ainsi une une impression de totale liberté. Nullement provocateur, c'est le film sincère d'un cinéaste au sommet de son art."

J'ai déniché l'article écrit par Louis Aragon en 1965 à l'époque de Pierrot le fou.

La fiche Allo Ciné

Allez visiter le site consacré à Antoine Duhamel, compositeur de la musique du film.

Achetez le disque

Un peu de musique

2006-11-22T22:53:00.000+01:00

Un nouvel extrait a été ajouté à la liste des bandes originales de film.

Découvrez-le vite en cliquant ici

Psychose : une petite video pour se faire plaisir

2006-11-09T19:54:00.000+01:00

Pur moment de plaisir : la bande annonce de Psychose, présentée par Hitchcock himself.

Flashback 2003 ZATOICHI de Takeshi Kitano Suite

2006-11-09T16:21:00.000+01:00

Parce que je vous aime, je vous propose une réjouissante série de vidéos de Zatoichi, suite à l'article Flashback 2003 consacré à ce film réalisé par Takeshi Kitano.

Bande annonce en japonais :

ba USA:

séquence musicale:

claquettes japonaises:

Les geishas :

Humour et violence:

Spectacle musical:

Encore de la musique :

Rencontre avec le samourai:

Les 8 premières minutes du film:

Flashback 2003 ZATOICHI de Takeshi Kitano

2006-11-09T01:27:00.000+01:00

La rubrique "Flashback" a pour vocation de proposer un film par année, en commençant par 2006 et en remontant petit à petit jusqu'en...1895, année de naissance du cinéma. Ce ne sont pas forcément les plus grands films ni ceux que je préfère (ceux-là sont présentés évidemment dans la rubrique "Films" ) mais ils témoignent d'un moment du cinéma, parfois en phase avec l'actualité et parfois pas et méritent toujours d'être vus ou revus. Entre histoire, art et sociologie, Flashback remonte le temps.

«L’homme éveillé est une lampe dans la nuit. Celui qui ne voit pas la flamme est aveugle.» (Osho Rajneesh, moine zen contemporain)

Le chemin du chevalier, c'est la traduction littérale du Bushido, l’éthique du samouraï, ce porrait être le sous-titre du film tout comme La concentration en action.

L'histoire

Quelques mots sur le réalisateur

Après avoir marqué de son empreinte et renouvelé le film noir japonais, Takeshi Kitano s’empare de la légende du film de sabre.

Zatoichi signe l’adieu (ephémère ?) aux pistolets des Yakusas pour souhaiter la bienvenue à la canne-épée des samouraïs!

Il s'agit de son onzième long métrage, en tant que scénariste et metteur en scène.

Depuis le succès de Hana-Bi en 1997, Takeshi Kitano est reconnu comme l'une des figures principales du cinéma international, l’un des rares cinéastes japonais d’envergure internationale.

Né en 1947, Kitano débute en 1972 sa carrière sous le diminutif "Beat", nom de scène sous lequel il continue de se produire en tant que comédien.

Membre du duo comique Two Beats, il devint vite une des figures principales de l'explosion des 'manzai' (équivalent de notre café théâtre) à la fin des années soixante-dix. Son art particulier du langage, l'originalité et la spécificité de son point de vue en ont fait l'un des artistes japonais les plus populaires des années quatre-vingts.

Après une carrière prolifique et diversifiée de plus de 25 ans, Takeshi Kitano continue d'être l'une des personnalités les plus en vue du Japon. Il participe toujours à des programmes hebdomadaires de télévision, à de nombreux téléfilms et émissions spéciales.

En tant qu'acteur, Takeshi Kitano a participé à divers films. Sa prestation dans le film de Nagisa Oshima Furyo (Merry Christmas, Mr lawrence - 1983) lui a valu une reconnaissance critique et publique internationale. Il a d'ailleurs retrouvé le réalisateur en 1999 pour Tabou (Gohatto), un drame épique situé dans le monde des samouraïs.

Dernièrement, il a figuré au générique de Battle Royale II de Kenta et Kinji Fukasaku, suite au succès du controversé Battle Royale signé Kinji Fukasaku et dans lequel il tenait l'un des rôles principaux. Il a également joué sous la direction de metteurs en scène non japonais parmi lesquels Robert Longo pour Johnny Mnemonic (1995) ou Jean-Pierre Limosin pour Tokyo Eyes (1998).

En 2000, Takeshi Kitano signe son premier long métrage filmé hors du Japon: Aniki, mon frère.

Tout comme Violent Cop (1989), Jugatsu (Boiling point - 1990) et Sonatine (1993), ce film met en scène des gangsters yakuzas.

Mais le réalisateur s'est plus d'une fois démarqué de cet univers de violence et d'action en signant des comédies loufoques ou tendres comme A scene at the sea (1991), Getting any? (1995), Kids return (1996), L'été de Kikujiro (Kikujiro - 1999) et dernièrement Dolls (2002).

Kitano est par ailleurs l'auteur d'un certain nombre de romans, nouvelles et poésies.

Peintre et dessinateur à ses heures, on a pu découvrir un aperçu de son travail dans Hana-Bi et L'été de Kikujiro.

Récompensé à de très nombreuses occasions, Zatoichi a reçu, entre autres, le Lion d'Or du Festival de Venise et le Prix du meilleur film non européen décerné par l'Académie du cinéma Européen. Pressenti comme meilleur film étranger dans de nombreuses sélections, il reçut cette distinction à différentes reprises.

(Source : http://www.bacfilms.com/site/zatoichi/)

Le tournage s'est déroulé dans la Préfecture d'Hiroshima.

Kitano sur le tournage du film

Zatoichi, film Zen

La plupart des critiques ont été élogieuses pour Zatoichi.

Je partage leur avis.

Je n’en ai pourtant lu aucune qui mette l’accent sur le caractère spécifique de ce film.

Or, j’ai eu le sentiment d’avoir affaire, peut-être pour la première fois, à un vrai film Zen.

Rien à voir avec le mot galvaudé et totalement vidé de son sens par le marketing occidental qui vise à nous présenter un écran plat de télévision ou le dernier ipod comme des objets zen alors qu’ils en sont les parfaits contre-pieds !

Zatoichi à tout à voir au contraire avec le Zen, philosophie de la vie qui propose de trouver la paix dans la simplicité, dans l’oubli de soi, où la beauté la plus pure peut aussi côtoyer la violence la plus extrême.

En français, le mot Zen est utilisé au mieux pour signifier un état de tranquillité, d'indifférence à l'agitation du monde.

Kitano montre le Zen, dans son acception profonde et peut-être aussi tel qu’il aspire à le vivre dans sa vie d’artiste protéiforme, celle où en toute sincérité, un homme dans la maturité de son esprit recherche une vie libre et spontanée, que peur, angoisse et insécurité ne puissent plus troubler.

Ce combattant apparemment aveugle me paraît être une bonne représentation du pratiquant zen dans cette plénitude libératoire.

Les yeux mi-clos de cet homme sont aussi comme la métaphore du moine en méditation.

La recommandation de Man-an, maître zen du XVIIè siècle se prête bien au personnage principal du film :

« Si vous désirez atteindre rapidement la connaissance de toutes les vérités et être indépendant en toutes circonstances, il n’y a rien qui vaille la concentration en action. »

Suzuki, dans son écrit sur le bouddhisme zen rappelle que « lors d’un affrontement, l’escrimeur ne doit penser ni à l’adversaire, ni aux mouvements de son épée, ni à lui-même. Il se tient là, simplement, oublieux de toute technique, avec son épée qui ne fait qu’obéir aux impératifs de l’inconscient. En tant que manieur de l’épée, l’homme lui-même s’est effacé. Ce n’est plus lui qui frappe, mais l’épée au pouvoir de l’inconscient. On raconte que certains escrimeurs sont restés totalement inconscients d’avoir abattu leur adversaire.

L’épée fonce d’elle-même, presque automatiquement, sans parade possible(…).

La maîtrise de la joute ou du combat n’appartient pas au plus rapide, au plus fort, au plus doué des combattants, mais à celui dont l’esprit est pur et dépouillé de son moi. »

Il va plus loin lorsqu’il insiste sur la capacité de l’homme du zen à être artiste, pas seulement « au sens étroit du mot, peintre, sculpteur, musicien, poète, mais au sens large, artiste de la vie. »

Herrigel, dans son magnifique traité « Le zen dans l’art chevaleresque du tir à l’arc » nous dit la même chose à propos du tir à l’arc, préfacé d’ailleurs par le même Suzuki.

Il me semble que c’est ce que Kitano nous montre avec précision dans son film.

Son personnage expérimente le satori - cet état d’éveil, d’illumination atteint par la pratique du Zen.

S’agissant d’une expérience intime et personnelle, il ne peut que nous inviter à nous en approcher, de l’extérieur.

Il est amusant de voir qu’en bon Japonais, au fait de ces réflexions, il ne pose jamais au philosophe dans ses entretiens. Modeste jusqu’au bout, il n’évoque que l’aspect action et divertissement de son film.

Il est permis de ne pas le croire.

De même que le Zen est très sérieux dans son essence, de même il se présente parfois sous un jour humoristique, fantasque et parfois outrancier. Les koans et les haïkus ne font rien d’autre qui mélangent souvent délicatesse et impertinence.

Entretien avec le réalisateur :

La légende de Zatoichi

«Zatoichi est l'un des héros de fiction les plus populaires du Japon. Je pense que n'importe quel japonais de plus de trente ans le connaît. Mais comme le dernier film réalisé autour de cette figure légendaire date de plus de dix ans, les jeunes japonais ignorent qui il est. J'espère que mon film leur offrira l'opportunité de découvrir ce héros.»

Les origines du projet

«Le projet me fut proposé de manière tout à fait inattendue par Madame Chieko Saito, l'un de mes mentors à l'époque où j'aspirais à devenir un comique de one-man show. Elle était également une amie intime de Mr. Shintaro Katsu, qui interpréta le rôle de Zatoichi au cinéma et à la télévision de 1962 à 1989. Il y a quelques années, elle me demanda d'envisager de mettre en scène une suite à ces aventures. Le projet m'intéressa immédiatement car je n'avais à ce jour jamais travaillé sur un film historique et en costumes. Mais lorsqu'elle a ajouté qu'elle souhaitait que je reprenne le rôle titre, j'ai paniqué. Il n'était pas question que je remplace Shintaro Katsu dans ce personnage qu'il avait marqué de sa personnalité. J'ai donc poliment décliné l'offre, mais c’était sans compter sur la ténacité de Madame Saito. J'ai finalement cédé mais à une seule condition : être libre de faire le film que je voudrai, autour du personnage central, un masseur aveugle du nom de Zatoichi, joueur professionnel de talent et sabreur hors du commun. Tout le reste serait mon entière création.»

Le nouveau Zatoichi

«Mon scénario n'est pas basé sur l'une des aventures de Zatoichi interprétées par Shintaro Katsu. Je ne voyais pas l'intérêt de copier sa version du héros. Je me suis donc attelé à créer une nouvelle version de cette figure héroïque, aussi différente physiquement et psychologiquement que possible de l'original. Le Zatoichi de Katsu avait les cheveux sombres, était habillé dans un kimono très coloré et portait une canne-épée marron. Cette apparence physique avait très bien fonctionné en son temps mais je tenais à m'en éloigner de manière ostentatoire. Mon Zatoichi est un homme plus coquet et excentrique. Ses cheveux sont blond platine et sa canne-épée d'un beau rouge sang. De même, en terme de caractère et de mentalité, il est nettement plus détaché des autres personnages sur le plan émotionnel. Le Zatoichi de Shintaro Katsu avait un côté réconfortant dans les relations qu'il avait avec les villageois. Le mien ne se mêle pas vraiment aux gentils. Il se contente de pourfendre les méchants.»

Zatoichi déconcerte

«Zatoichi est quasiment invincible. La question est évidemment "comment fait-il?". Il est aveugle, il ne voit donc pas ses adversaires : comment peut-il être aussi fort ? J'ai finalement décidé que le secret de sa puissance se résumerait à cette seule explication : "C'est un film". J'ai d'ailleurs joué avec la cécité de Zatoichi à la fin de l'histoire. Suggérant, mais vraiment à peine, qu'il pourrait ne pas être aveugle.»

La canne-épée de Zatoichi

«Le rouge sang pour la canne-épée s'est imposé comme une évidence.Il fallait une couleur vive pour ne pas rendre ce personnage trop terre à terre, et faire de ce film une histoire pleine de bons sentiments sur de simples villageois. Je pensais que si Zatoichi était blond et qu'il portait une canne laquée rouge vif, les autres personnages auraient plutôt tendance à se méfier de lui et chercheraient à l'éviter."

Un film d’époque

«On pourrait s'attendre à ce que ce genre de reconstitution impose de plus grandes restrictions car vêtements ou décors doivent être rigoureusement fidèles aux faits historiques… J'ai ressenti au contraire une liberté créative plus grande car il a fallu justement tout fabriquer. Chaque détail : l'apparence des personnages, la reconstitution des décors, les coiffures… requiert plus d'imagination que pour un film contemporain.»

Effets spéciaux

«De plus en plus de films ont tendance à s'en remettre aux effets spéciaux assistés par ordinateur. Jusqu'à présent, je ne me sentais pas très à l'aise à l'idée de les utiliser dans mes films. Mais dans un film d'époque, ils donnent un petit côté "cartoon", d'autant plus adapté dans ce cas précis. Nous les avons surtout employés pour montrer les blessures et les scarifications. Autrefois, vous pouviez éviter de filmer les balafres ou le sang qui jaillit. Mais les temps ont changé. Nous avons donc essayé de montrer les blessures de la manière la plus graphique possible.»

Le sabre toujours à mes côtés

«J'ai souhaité que les effets spéciaux n'interviennent jamais dans les scènes d'action. Je voulais assurer moi-même -dans la mesure de mes moyens- la plupart de mes cascades et de mes combats. J'ai adoré faire cela. Dans l'histoire originale et les précédents films de la saga, Zatoichi dégaine sa canne-épée par un mouvement de revers. Cela impose des restrictions considérables dans le maniement du sabre. Cela ne me laissait au final que peu de possibilités en terme d'action : dégainer en bas ou latéralement. Afin de décomposer les mouvements du sabre pour les rendre plus visibles à l'écran, j'ai adopté pour ces scènes des positions plutôt insolites. Du coup, cela provoquait des douleurs au niveau des poignets, coudes et épaules. Il a vraiment fallu m'entraîner.»

Jouer en aveugle

«Il m'était encore plus difficile de pratiquer les mouvements de sabre lorsque j'étais face caméra, les yeux clos. Parfois, je ne savais même pas où j'agitais mon sabre. Tout faire les yeux fermés est vraiment très déstabilisant. Le simple fait de marcher droit représente une difficulté. Même avec des marques au sol, j'ai eu ma part de faux pas et de chutes. J'étais incapable d'estimer l'espace qui me séparait de mes partenaires. Pas question non plus de voir leurs expressions lorsque nous jouions ensemble. Ce fut plus difficile que je ne l'imaginais. Lorsque vous jouez avec les yeux ouverts, le regard des autres comédiens et cette appréhension de l'espace vous permettent indirectement d'estimer votre façon de bouger ou votre manière de jouer, même si physiquement il vous est impossible de vous voir vous-même.»

Les mouvements de Zatoichi

«Nous avions un chorégraphe sur le plateau pour régler les combats au sabre, mais j'ai fini par concevoir moi-même la plupart d’entre eux, à l'exception de celui des deux geishas lorsqu'elles se battent contre les hommes de main de Ginzo dans la résidence d'Ogi. Je ne souhaitais pas que ces duels ressemblent à ceux que l'on voyait dans les films autrefois et où vous retrouviez toujours les mêmes combinaisons. J'ai vraiment essayé de faire quelque chose de différent. Je déteste ces duels entièrement centrés sur le sabre ou l'épée et où, finalement, tout se résume à des bruits de tintements et de lames qui s'entrechoquent. Heureusement, la plupart du temps, Zatoichi ne porte qu'un seul coup, ce qui m'a permis d'éviter ce type de combats. Par contraste,j'ai laissé Tadanobu Asano (qui interprète le ronin Hattori) accomplir des figures plus difficiles et élaborées à partir de ce que j'avais moi-même appris au cours de mon apprentissage de comédien à l'époque où je pratiquais le one-man show. Nous avions souvent recours sur scène à des mouvements inspirés de la pratique du sabre. Mon professeur de comédie m'enseignait les mouvements de base et je les parodiais au cours de mes sketches pour les rendre plus drôles. Depuis cette époque, j'avais en tête de nombreuses idées pour régler des duels à l'épée ou au sabre et je souhaitais depuis longtemps les utiliser sur un film de genre.»

Recevoir les coups

«Les combats au sabre dépendent davantage de la manière dont l’acteur reçoit les coups que de la dextérité de celui qui les donne. Si l'adversaire ne possède pas un peu de savoir-faire, le rythme de la scène ne sera pas bon et l'ensemble de la séquence manquera de naturel. Je ne voulais pas voir les comédiens recevoir les coups puis s'effondrer face caméra. Il n'était pas question que j'accepte ces conventions du duel au sabre que l'on a déjà vues des centaines de fois.»

Armes à feu contre armes blanches

«Le “bam !” d'un pistolet et le “zunk !” d'un sabre n'ont pas la même signification. Filmer des armes à feu ne nécessite pas beaucoup de caméras. À une certaine époque, le pistolet n'était même pas filmé. Une fois que le coup est parti, celui qui est touché n'a pas grand chose à faire. Mais dans la cas d'un duel à l'arme blanche, vous ne savez pas quel sera le mouvement suivant. Lorsque le coup est porté, le combattant doit immédiatement riposter dans la zone découverte de son adversaire. Parfois, cela lui est impossible. Le fait de répéter les mouvements plusieurs fois, permet d'acquérir des réflexes et une certaine souplesse lors des prises.»

Le montage

«Lors du montage de ZATOICHI, j'ai eu recours à plus de plans de coupe que sur mes films précédents. J'ai eu besoin d'un grand nombre de prises pour masquer par exemple les imperfections de costumes ou de coiffures des acteurs. Utiliser des plans courts est la norme,surtout lorsque vous avez beaucoup de mouvements de caméra. Un film à costumes où la caméra resterait statique finirait vite par ressembler à un film muet.»

La touche Kurosawa

«Kurosawa avait l'habitude de faire plusieurs prises des combats réglés, ce qui, à mon sens, avait un impact formidable. Filmer à la Kurosawa demande pas mal d'endurance.La scène de la pluie dans ZATOICHI est un hommage au film LES SEPT SAMOURAÏS. Lorsque nous avons filmé cette séquence, il nous a fallu non seulement lutter contre le froid, mais, à un certain moment, l'odeur de la pluie changea. Car, l'eau ne provenait plus du réservoir qui était à sec mais d'un étang à carpes. Cela puait vraiment. Nous avions l'impression d'une pluie battante de poissons.»

Un happy end atypique

« J'ai souvent parodié les fins des drames japonais qui sont toujours identiques. Par exemple, lorsque le héros quitte la ville et marche le long d'un champs de riz, les paysans qui y travaillent se mettent subitement à chanter et danser tout en continuant leurs travaux. Lorsque j'ai commencé ZATOICHI, j'ai pensé "Pourquoi ne pas réinterpréter à ma manière ce happy end typique ?". J'avais la sensation que reproduire les danses folkloriques japonaises avec un groupe d'amateurs serait assez ennuyeux et assez peu excitant, tant sur le plan visuel que sonore. Et subitement, j'ai pensé à un numéro de claquettes. Le principe de base de l'histoire de ZATOICHI -un masseur aveugle doublé d'un maître sabreur capable de dégainer sa canne-épée à la vitesse de la lumière- était suffisamment extravagant pour faire un film de pur divertissement. C'est dans cet état d'esprit que j'ai apporté une touche personnelle et moderne à cette traditionnelle fin dansée. J'ai donc confié le final aux meilleurs danseurs de claquettes du Japon. Vêtus comme des fermiers ou des menuisiers, portant des kimonos traditionnels et chaussés de sabots de bois ou de sandales de paille, ils exécutent un numéro de claquettes sur une rythmique hip-hop.»

Les claquettes

«Un grand artiste doit être capable de faire toutes sortes de choses. J'ai donc pris quelques leçons de claquettes mais je trouvais cela un peu plat. Je n'étais pas très amateur du style Gene Kelly. Mais lorsque j'ai découvert celui de Gregory Hines, un grand artiste et danseur de claquettes, dont les performances se faisaient sans avoir recours à la musique, j'ai trouvé cela stupéfiant. Quelques années plus tard, j'ai eu l'occasion de faire la connaissance d'un groupe de danseurs japonais appelé "The Stripes". J'ai vu leur spectacle et fus complètement fasciné par leur manière de danser. Leur style était complétement différent de celui, plus traditionnel, que l'on m'avait enseigné. Je les ai engagés sur ZATOICHI… »

Les touches d’humour

« Je souhaitais un certain équilibre. Ne pas me contenter d'aligner des scènes d'action, mais ajouter une certaine dose d'humour pour adoucir l'ambiance du film. Le personnage d'Ogi (joué par Saburo Ishikura) est supposé être un vrai "méchant", mais comme son interprète passait son temps à plaisanter, j'ai décidé d'intégrer cela à son rôle. Depuis, il est un vrai "méchant" drôle. Du côté des bons, Shinkichi, l'acolyte de Zatoichi, est joué par Guadalcanal Taka, l'un de mes plus anciens protégés dans le domaine de la comédie. »

(Source : http://www.bacfilms.com/site/zatoichi/)

Critiques presse :

Le Nouvel Observateur - Pascal Mérigeau :

« Kitano a rarement paru aussi libre, associant scènes de sabre et moments comiques, les confondant parfois, avec une virtuosité folle, qui le conduit à tout se permettre, jusqu'à faire exécuter des claquettes aux paysans dans la rizière (...). "Zatoichi" offre deux heures d'un plaisir jubilatoire rare. »

Positif - Jean-Christophe Ferrari :

« Kitano transpose, dans un genre nouveau pour lui, la virtuosité dont il avait fait preuve dans ses films de yakuzas (...) exercice sanglant et ludique, qui mêle

d'éblouissantes scènes de combat à des rythmes de comédie musicale, tout en développant une fable sur la tromperie des apparences (...). »

MCinéma.com - Hugo de Saint Phalle :

« UN Z QUI VEUT DIRE... ZATOICHI.

Zorro n'a qu'a bien se tenir, Takeshi Kitano se met à l'épée ! Avec ZATOICHI, le cinéaste japonais délaisse les yakuzas qu'il affectionne tant pour se lancer dans le film de sabre. Fidèle à ses habitudes, le réalisateur de SONATINE et HANNA-BI a choisi un sujet typiquement nippon : son personnage est culte au pays du soleil levant, où plus de vingt films lui ont déjà été consacrés. Mais Kitano ne pouvait se lancer dans un projet sans l'imprégner totalement de sa personnalité. Avec le talent qui est le sien, il a su s'approprier totalement le sujet et l'intégrer avec justesse dans son univers à la fois déjanté et froid. On ne s'étonnera donc pas qu'entre deux scènes de tueries particulièrement sanglantes, un apprenti samouraï benêt se mette à courir dans tous les sens en hurlant... Grâce à l'inventivité de son auteur, ZATOICHI est plus qu'un simple film de sabre japonais : une fable originale, tantôt burlesque tantôt glaciale, dans laquelle on plonge avec le plus grand bonheur.

(DOUBLE) COUP DE MAITRE !

Au-delà de l'univers qu'il a réussi à façonner, le tour de force de Kitano réside aussi dans le brio avec lequel il a, pour la huitième fois, assuré sa double mission de réalisateur et d'acteur. Devant la caméra, il donne dans son registre préféré : intérieur et impassible, il est toujours d'une présence impressionnante. Mais c'est dans la mise en scène qu'il semble se lâcher totalement. Kitano ose tout et fait mouche à chaque fois. Les quelques numéros sonores sont délirants, parfaitement réglés et symbolisent à merveille l'acuité auditive de son héros aveugle. D'une rare violence, les combats allient finement effets numériques et chorégraphies tranchantes pour une efficacité maximum. Le tout est emballé de clins d'oeil sympathiques aux westerns, aux SEPT SAMOURAIS de Kurosawa, et de gags légers et burlesques, marque de fabrique du cinéaste. Sa démonstration technique s'achève d'ailleurs en feu d'artifice, par une scène musicale d'anthologie. Pour faire danser un numéro mémorable de claquettes à des samouraïs et paysans japonais, il n'y avait bien que Maître Kitano ! »

Découvrez tous les sites qui parlent du film:

http://www.enroweb.com/dotclear/index.php?2005/08/17/199-zatoichi

http://www.fluctuat.net/907-Zatoichi-Takeshi-Kitano

http://www.sancho-asia.com/article.php3?id_article=392

http://www.cineasie.com/Zatoichi.html

http://www.plume-noire.com/cinema/critiques/zatoichi.html

http://www.filmdeculte.com/film/film.php?id=675

http://www.u-blog.net/briographe/note/57565

http://www.office-kitano.co.jp/zatoichi/

http://www.zatoichi.co.uk/

La fiche AlloCiné :
http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=50986.html

Le plein de photos :
http://search.msn.fr/images/results.aspx?q=zatoichi&FORM=BIRE
http://media.film.ru/arthouse/ZATOICHI/

Le portail de la civilisation japonaise à ne pas rater : http://fr.wikipedia.org/wiki/Portail:Japon_et_culture_japonaise

En particulier, pour ce qui concerne Zatoichi :

Le samouraï :
http://fr.wikipedia.org/wiki/Samourai

Le zen :
http://fr.wikipedia.org/wiki/Zen

Les koans :
http://fr.wikipedia.org/wiki/K%C5%8Dan_%28zen%29

Les haïkus :
http://fr.wikipedia.org/wiki/Haiku

La boutique de Tout Le Cinéma Que J'Aime

2006-11-03T23:41:00.000+01:00

Dans un post précédent, je vous offrais une nouvelle fonctionnalité : le moteur de recherche de la boutique en ligne Amazon.

Il m'a semblé intéressant d'aller plus loin en créant la première "ébauche" de boutique.

Evidemment, le but n'est pas de faire de TLCQJA un site commercial et de passer plus de temps à gérer ce type de boutique qu'à écrire des articles.
D'autant que ce commerce en partenariat rapporte de toute façon très peu !

Pour autant, il me semble que cette fonctionnalité supplémentaire peut faciliter l'accès aux films, réalisateurs, acteurs, actrices dont le blog se sera fait l'écho.

De plus, si vous appréciez ce blog et que vous achetez sur internet, autant en faire profiter son concepteur -c'est-à-dire moi (comme aurait dit Desproges, ça me permettra d'acheter un demi-roudoudou ou un quart de malabar).

Ca ne vous coûtera, en effet, pas plus cher et moi ça m'aidera peut-être à maintenir le blog tout en me faisant plaisir. Une vraie relation gagnant-gagnant en somme.

C'est donc parti pour un test grandeur nature.

Pour le moment, j'ai créé plusieurs liens, vous les trouverez en cherchant sur la droite en bas de l'ascenseur.

Pour le plaisir : Diamants sur canapé

2006-11-03T10:58:00.000+01:00

Je viens d'effacer un article sur Audrey Hepburn !
Bravo Nicolas!

Pour patienter, la bande-annonce de Diamants sur canapé (Breakfast at Tiffany's).

Aider vos recherches

2006-11-02T23:19:00.000+01:00

Parce qu'en lisant les articles de TLCQJA, vous avez peut-être déjà eu l'envie pressante de vous offrir le DVD du film analysé ou le cd de la musique originale, j'ai pensé à vous offrir une fonctionnalité supplémentaire.

Le moteur de recherche d'Amazon est à présent disponible sur le site.

Vous n'avez jamais vu Rio Bravo ?
Qu'attendez-vous pour vous l'offrir?

Rio Bravo, l'image du coach

2006-10-31T00:22:00.000+01:00

Pour le plaisir, une vidéo extraite du film

Dean Martin & Ricky Nelson

L'histoire : un shérif isolé qui ne peut compter que sur son adjoint infirme, un ami devenu alcoolique et un jeune pistolero pour affronter une bande de tueurs, finira par affronter un péril encore plus grand : l'amour!

Howard Hawks, génial réalisateur du film

Rio Bravo est, paraît-il, la réponse du réalisateur Howard Hawks et de la légende du western John Wayne au film Le train sifflera trois fois.

L'affiche du Train...

Les deux compères estimaient qu'un shérif n'avait pas à chercher de l'aide auprès des citoyens qu'il était censé protéger.

Hawks dira carrément :

"Je ne pensais pas qu'un bon sherif se comporterait comme une poule décapitée tournant autour d'un village en criant à l'aide pour qu'au final ce soit sa femme Quaker qui le sauve."

La dernière scéne du film de Zinnemann ( celle où Gary Cooper jette son étoile à terre et quitte la ville) était, selon Wayne carrément antiaméricaine !

Nous sommes loin encore - en apparence - des westerns crépusculaires et magnifiques que Clint Eastwood réalisera à partir des années '70 (Je reviendrai à Eastwood bien sûr).

Et pourtant, est-il possible de parler western sans songer à Rio Bravo?

Le casting est excellent, avec aux premiers rangs :
John Wayne, dans le rôle de John T.Chance, shérif de la ville;
Dean Martin, dans celui de Dude, un homme brisé par un chagrin d'amour;
Walter Brennan, le fidèle Stumpy, adjoint du shérif et "grande gueule" (l'un des plus beaux personnages de second rôle du cinéma américain).

Brennan

On peut dire de Rio Bravo qu'il s'agit d'un western urbain: tout est filmé dans la ville, pas de grands espaces, le spectateur y est emprisonné comme le sont les protagonistes du film.

Il est émaillé de belles scènes de bagarres, des fusillades comme il sied au genre.

Mais Rio Bravo, c'est surtout du cinéma filmé à hauteur d'hommes, des types fidèles en amitié, à qui on ne la fait pas et qui tombent pourtant dans tous les pièges, en particulier ceux de l'amour. Bref, du cinoche, du vrai, tel qu'aimaient à en faire des réalisateurs comme Hawks, Ford ou Mann.

Il suffit d'ailleurs de laisser parler Hawks à ce sujet :

"La meilleure manière de raconter une histoire au cinéma est de la filmer comme on la voit. Partez de vos yeux. Laissez le public voir les choses comme s'il était là. La plupart du temps, ma caméra reste au niveau du regard. De temps en temps, elle se déplace comme si un homme marchait et découvrait quelque chose. Sinon, elle peut avancer ou reculer pour mettre en avant un élément du cadre sans faire de coupe. A part ça, ma mise en scène est la plus simple du monde."

Rio Bravo, c'est surtout l'histoire d'une rédemption comme le cinéma américain en a le secret.

Cette rédemption, c'est celle de Dude, alcoolique humilié par tous et auquel John Chance prend le pari - risqué - d'offrir sa... chance.

Chance croit plus en Dude que Dude lui-même ne croit en lui. Il sait qui est cet homme, quel fut son passé et quel peut être son avenir.

Rappelons-nous que le premier grand film de Wayne fut La chevauchée fantastique dont le titre original est Stagecoach, film dans lequel des personnes confinées dans un endroit clos apprennent à vivre ensemble, à se connaître et finalement à se respecter.

Si l'on sait que l'une des origines du mot coach puise à cette source (celui qui permet au coaché d'aller d'un point à un autre, de mener son projet à bien, celui qui transforme les obstacles en opportunités et sait déceler les talents, les ressources parfois enfouies...), il est amusant de tracer le parallèle jusqu'à Rio Bravo, à mon avis sommet de la carrière de Wayne, tout juste 20 ans plus tard.

Qu'est donc le personnage joué par Wayne et appelé Chance sinon un coach, en particulier celui de Dude?

En lui offrant sa chance et en lui imposant le respect de lui-même, en pariant sur ses ressources, en lui témoignant sa profonde amitié, en laissant éclater sa colère quand c'est nécessaire, en manifestant ses sentiments, il passe en revue de nombreuses caractéristiques qui sont celles des meilleurs coachs. Rappelons-nous également que Chance cherche des gars motivés pour travailler avec lui. Là encore, même posture qu'un coach.

Et ce n'est sans doute pas un hasard.

Il me semble que le meilleur du western, j'entends par là de tous les westerns, traite de ce thème de la rédemption, du respect, de l'ouverture à l'autre, d'une découverte.

Les plus grands westerns ne traitent-ils pas tous de la rupture, de cycles, de changements, d'évolution, de conflits entre l'ancien et le nouveau, etc...?

Hawks ne dit d'ailleurs rien d'autre en déclarant :

"Laissez les personnages raconter l'histoire pour vous. Ne vous souciez pas de l'intrigue. Moi, je ne le fais pas. Tout vient de la manière dont les personnages sont définis et évoluent. Dans Rio Bravo, beaucoup de choses arrivent simplement parce que John Wayne est le temoin des efforts de son amis pour se reprendre. Vous noterez que quasiment tous les personnages masculins de mes films traversent des périodes de crise. Ensuite, ils doivent reprendre leur vie en main. C'est un sujet d'écriture passionnant."

Coach moi-même, je suis évidemment très sensible à cette particularité de ce genre cinématographique.

Je crois qu'Eastwood avait saisi cela il y a bien longtemps et qu'il fut d'ailleurs attristé que les "classiques" ne voient dans ses réalisations (Josey Wales, Pale Rider et Impitoyable pour ne parler que des westerns) qu'une attaque en règle des anciens canons du genre.
Sans doute a-t-il défriché de nouveaux chemins, mais tous ses films ne parlent-ils pas eux aussi le langage de la rédemption ? Et pour ce qui est de la posture de coach, il n'y a aucun doute.

J'en reparlerai en évoquant cet immense réalisateur et acteur dans une fiche spéciale.

En me promenant sur AlloCiné, j'ai appris que Howard Hawks a reconnu s'être inspiré des Nuits de Chicago de Josef von Sternberg pour le tournage de Rio Bravo. Il y a repris le nom de son personnage féminin Feathers, interprété ici par Angie Dickinson et l'idée du dollar jeté dans le crachoir.

Rio Bravo a été tourné en extérieur à Old Tucson dans l'Arizona.
Les décors du film y ont été construits dans des dimensions légèrement réduites par rapport à la taille normale pour que les personnages apparaissent de manière plus imposante.

Howard Hawks a filmé deux variations autour de Rio Bravo.

Dans El Dorado, John Wayne incarne un tueur solitaire qui vient prêter main forte à un vieil ami sherif qui connaît des problèmes d'alcools interprété par Robert Mitchum.

Dans Rio Lobo, Howard Hawks réadapte une nouvelle fois certaines des séquences des deux films précédents. John Wayne y tient à nouveau le rôle principal.

Certaines scènes prévues initialement dans le scénario de Rio Bravo mais abandonnées au tournage ont été reprises pour El Dorado.

Rio Bravo, considéré par beaucoup comme un chef d'oeuvre est un film souvent cité ou repris par les réalisateurs.

Ainsi, les personnages de Who's that knocking at my door ? de Martin Scorsese font référence au film tout comme ceux du Mépris de Jean-Luc Godard.

Assaut de John Carpenter est un remake non officiel mais avoué de Rio Bravo. Le metteur en scène s'est d'ailleurs crédité au montage du film du nom de John T. Chance.

Jean Tulard accorde 4 étoiles à ce film de 1959 dans son dictionnaire du cinéma.

Cliquez sur l'image pour voir la fiche Wikipédia

La fiche du ciné-club de Caen et quelques photogrammes du film

Connaissez-vous le site "Libre savoir" ?
Lisez l'intéressant article sur Rio Bravo qui y est publié en cliquant sur le logo.

Télé-cinéma 1 : One Two Three

2006-10-28T15:13:00.000+02:00

Arte, dimanche 29 octobre 2006, 20h40 :

Un, deux, trois, de Billy Wilder (1961).

En gros, "le communisme quelle horreur, mais le capitalisme ça ne vaut pas mieux" ou "la caricature dans toute sa splendeur".

Billy Wilder cogne sur tout ce qui bouge.

James Cagney, alors déjà vieille gloire hollywoodienne, incarne le directeur de la filiale berlinoise de Coca-Cola, empêtré dans une aventure qui le dépasse.

Il n'est pas très loin d'ailleurs des personnages joués par Louis de Funès à la même époque, vitupérant, énervé, toujours au bord de la rupture d'anévrisme.

Comme dans tous les films de Billy Wilder, il est question de rythme. Ici, il est bondissant.

Qui, à part ce génial réalisateur, pouvait se permettre de mettre à mal l'impérialisme américain comme il le fait dans ce film ?

Le comique parfois énorme n'est peut-être convié ici que pour dire plus facilement ce qui autrement n'aurait pu être toléré ?

Est-ce la raison pour laquelle l'élégance habituelle des films de Wilder cède le pas à la grossièreté ?

Wilder nous dit peut-être simplement que ces deux mondes qu'il nous dépeint sont aussi vulgaires l'un que l'autre.

Un, deux, trois est sans doute l'un des films les plus méconnus de Wilder, à ne pas manquer donc si vous ne l'avez jamais vu.

L'affiche originale

Un extrait du film

La fiche AlloCiné

Si vous souhaitez acheter le DVD :

Parfois la télé c'est bien aussi (2)

2006-10-28T15:07:00.000+02:00

Il faut bien avouer que dans le désert de la télévision, certaines chaînes nous offrent encore quelques réjouissances.

Sur le blog de TLCQJA évidemment il ne s'agira que de parler de la programmation cinématographique.

Je vous ai parlé avant-hier du film de Bertrand Tavernier proposé par France 3, Ca commence aujourd'hui

J'inaugure ainsi, à partir d'aujourd'hui, une nouvelle rubrique "Télé-cinéma".
Elle n'a pas pour vocation d'être exhaustive, la presse est là pour ça.

Le hasard et l'envie seront mes seuls guides.

Parfois la télé c'est bien aussi...

2006-10-26T16:43:00.000+02:00

Ce soir, France 3 nous offre la diffusion d'un film que TLCQJA vous a présenté récemment : Ca commence aujourd'hui, de Bertrand Tavernier.

Si vous ne l'avez jamais vu, c'est donc le moment ou jamais !

Tout le cinéma que j'aime, le blog le plus furieusement tendance du cinéma !

Programme :
France 3 le 26 octobre à 20h55.

Petite musique qui trotte trotte

2006-10-26T12:52:00.000+02:00

La musique d'accueil du site en ce moment (à droite sous la vidéo, il suffit de cliquer sur le bouton vert pour l'écouter) me plaît beaucoup.

C'est celle du générique de fin du prochain film de Stéphane Brizé intitulé Entre adultes.

Est-ce une musique originale ou fait-elle partie des compositions créées par Fabrice Dumont et Fred Fortuny ?

Si vous en savez plus, merci de m'en informer.

Encore un...moteur de recherche !

2006-10-25T00:23:00.000+02:00

Parce que je vous aime vraiment...et que je suis très content de ma trouvaille, je viens d'installer - encore ??? - un nouveau moteur de recherche !

Voilà à quoi il ressemble :

Testez-le tout de suite, dites-moi ce que vous en pensez, moi je le trouve du tonnerre !

Simple, facile, complet, vous pouvez choisir quels sont les moteurs que vous souhaitez utiliser, un seul ou tous, comme vous le souhaitez.

Je l'ai déjà testé avec des films, et comme il est vraiment très pratique, vous le retrouverez à droite en descendant...

Merci qui ?

Merci TLCQJA ! (on n'est jamais mieux servi que par soi-même pour ce qui est des compliments...)

Flashback 2004 : Tu marcheras sur l'eau

2006-10-25T00:00:00.000+02:00

Tu marcheras sur l'eau, de Eytan Fox

Eyal (Lior Ashkenazi) est un agent du Mossad, les services secrets israéliens.

Son employeur décide de l'envoyer sur une nouvelle mission : trouver un vieux criminel de guerre nazi et le tuer.

Pour trouver le vieillard, Eyal va sympathiser avec les petit-enfants du nazi, Axel et Pia.

Pia vit en Israël dans un kibboutz, en rupture avec sa famille. Son frère Axel vient lui rendre visite, afin de la convaincre de rentrer en Allemagne pour les 70 ans de son père.

Le film démarre comme un véritable film d'espionnage, plusieurs séquences nous renvoient d'ailleurs à ce genre prisé des spectateurs.

Il va en fait bien au-delà.

L'histoire, la rancoeur, la compréhension, le pardon, l'ouverture à l'autre, sont les fils dont est tissé le récit.

Comme il en est souvent (toujours ?) des films intéressants, il est ici question de rédemption au travers d'une initiation à laquelle les spectateurs sont eux-mêmes conviés.

Témoins de l'histoire qui nous est racontée, nous sommes, en effet, amenés à nous poser plusieurs questions sur nos propres représentations.

Ci-dessous, les trois principaux - et excellents acteurs - du film.
De gauche à droite, Lior Ashkenazi, Carolina Peters et Knut Berger.

Le criminel poursuivi par le héros est joué par Hanns Zischler, récemment vu dans Münich, de Steven Spielberg.

La question de l'homosexualité dans la société israélienne est posée dans chacun des films d'Eytan Fox.

Elle ainsi présente dans Tu marcheras sur l'eau au travers d'Axel, qui permettra à Eyal d'évoluer dans sa vision du monde et de finalement admettre ce qui lui répugnait.

Dans Yossi et Jagger, c'est dans l'institution particulièrement importante de la société israélienne qu'est l'armée, qu'elle est traitée.

Enfin, elle sera présente également dans son prochain film, The Bubble, puisque Noam, jeune Juif y tombe amoureux d'un Palestinien.

Ci-dessous, Eytan Fox, le réalisateur du film.

Je vous propose l'un des morceaux de la bande originale.
Il s'agit de la reprise d'un standard chanté par le duo israélien Ivri Lider et Rita.

La fiche AlloCiné

Vous souhaitez acheter le DVD ?

Nouvelles fonctionnalités de recherche

2006-10-24T22:15:00.000+02:00

Certains d'entre vous se sont peut-être aperçus que 2 nouvelles fonctionnalités sont apparues ces derniers jours.

J'ai installé les moteurs de recherche d'AlloCiné et d'IMDb (Internet Movie Database) dans la colonne de droite (cherchez un peu plus bas si vous ne les voyez pas tout de suite).

C'est facile et rapide. Il suffit d'inscrire le titre du film ou le nom du comédien ou technicien recherché.

Amusez-vous bien.

S'y retrouver sur le blog de "TLCQJA"

2006-10-24T21:23:00.000+02:00

Un souci pour vous y retrouver sur le blog de TLCQJA (Tout Le Cinéma Que J'Aime)?

Pas de panique !

Sur cette page sont listés tous les différents billets d'information générale parus sur le blog : les infos pour naviguer, profiter des différentes fonctionnalités, tout se trouve dans ces billets.

L'édito de bienvenue

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Un autre moteur de recherche

Les diaporamas de "TLCQJA"

2006-10-24T20:56:00.000+02:00

Retrouvez sur cette page la liste de tous les diaporamas.

Photos des films, des acteurs, des actrices, des réalisateurs...

Un petit cadeau

Les quatre cents coups

Flashback

2006-10-24T20:42:00.000+02:00

La rubrique Flashback a pour vocation de proposer un film par année, en commençant par 2006 et en remontant jusqu'en...1895, année de naissance du cinéma.

Ce ne sont pas forcément les plus grands films ni ceux que je préfère (ceux-là sont présentés évidemment dans la rubrique Films) mais ils témoignent d'un moment du cinéma, parfois en phase avec l'actualité et parfois pas et méritent toujours d'être vus.

Entre histoire, art et sociologie, Flashback remonte le temps.

Retrouvez sur cette page, la liste des films présentés dans cette rubrique.

Cliquez sur le titre qui vous intéresse.

Syriana, de Steven Gaghan (2006)

De battre mon coeur s'est arrêté (2005)

Tu marcheras sur l'eau (2004)

Zatoichi (2003)

Les films de "Tout Le Cinema Que J'Aime"

2006-10-24T20:26:00.000+02:00

Retrouvez sur cette page, la liste des films présentés sur le blog.

Cliquez sur le titre pour découvrir le film qui vous intéresse.

Je ne suis pas là pour être aimé, de Stéphane Brizé

Les quatre cents coups, de François Truffaut (diaporama - extraits vidéos)

La mort aux trousses, d'Alfred Hitchcock

Mercredi folle journée, de Pascal Thomas

Le deuxième souffle, de Jean-Pierre Melville

Ca commence aujourd'hui, de Bertrand Tavernier

De battre mon coeur s'est arrêté, de Jacques Audiard (Flashback 2005)

Syriana, de Steven Gaghan (Flashback 2006)

Tu marcheras sur l'eau, de Eytan Fox (Flashback 2004)

Un, deux, trois, de Billy Wilder

Rio Bravo, de Howard Hawks

Zaitochi, de Takeshi Kitano (extraits vidéos)

Je ne suis pas là pour être aimé

2006-10-24T11:56:00.000+02:00

50 ans, huissier de justice, le coeur et le sourire fatigués, Jean-Claude Delsart a depuis longtemps abandonné l'idée que la vie pouvait lui offrir des cadeaux. Jusqu'au jour où il s'autorise à pousser la porte d'un cours de tango...

Choisir sa vie, oser, vivre, renaître, le film tourne joliment autour de ces thèmes en employant la musique et les pas du tango.

Patrick Chesnais et Anne Consigny développent leur art délicat de la comédie. Ils sont authentiques et subtils.

Stéphane Brizé propose une mise en scène qui paraît discrète. Elle est pourtant rigoureuse et sait traquer le "vrai".

Rien à voir avec les grandes machineries hollywoodiennes d'aujourd'hui, souvent vides de sens, mais tout à voir avec la vie, la vraie.

Un beau film à voir, que je vous recommande chaudement.

TéléCinéObs - Philippe Piazzo :

"Porté par des interprêtes tous sensationnels (...) le deuxième long-métrage de Stéphane Brizé est (...) aussi modeste que réussi. Il dispense un petit bonheur si intense qu'il serait tout à fait déraisonnable de s'en priver."

Télérama - Pierre Murat :

Mais comme c'est visiblement un humaniste - et tant pis pour ceux qui trouvent le mot galvaudé -, le cinéaste a l'élégance de vouloir donner à chacun une chance de se, et de nous, surprendre. (...) Son audace, c'est de s'attacher à la fragilité de ses " coeurs simples ", sans les magnifier, ni les mépriser. Et, un peu comme Ozu jadis, de les filmer simplement, au ras de leurs émotions.

Brazil - Eric Coubard :

(...) long-métrage admirable. Ce film intimiste, douloureux et profondément attachant n'est pas sans rappeler un certain Quand la mer monte pour sa justesse de ton, son étude riche de notre quotidien.

Studio Magazine - Philippe Piazzo :

(...) Sans intrigue ni coup de théâtre, [Stéphane Brisé] vous fait vivre des émotions de plus en plus justes et vives, pour vous abandonner, le coeur battant, dans le tourbillon d'un air de tango qui aurait le charme et l'intensité de la vie rêvée.

Le Monde - Jean-Luc Douin :

La grande qualité de ce film délicat est d'adopter la retenue pudique de ses personnages. En empathie avec ces handicapés de l'émotion, "Je ne suis pas là pour être aimé" structure les scènes autour des silences, trouve la bonne distance pour capter le choc et l'attirance des timidités.

Positif - Franck Garbarz :

(...) un respect, au sens le plus noble du terme, pour des personnages qui ne se respectaient plus eux-mêmes.

Première - Sophie Grassin :

Sensibilité de la mise en scène, mélancolie du propos, justesse et charme des deux comédiens principaux, tout concourt à faire de Je ne suis pas là... un film à voir et à considérer.

Un extrait de la bande originale composée par les membres du Gotan Project

Plus d'informations sur ce film

Le premier long-métrage de Stéphane Brizé, Le bleu des villes, sorti en 1999.
Je ne l'ai pas vu.
Si l'un d'entre vous en garde un bon souvenir, merci de m'en faire part.

Pour en savoir plus sur ce film

En janvier 2007, sortira un prochain film de Stéphane Brizé :

Le site officiel

La musique du générique de fin de Entre adultes

Stéphane Brizé

Actualité du blog

2006-10-22T01:03:00.000+02:00

Mes soucis de connection avec mon fournisseur d'accès semblent terminés. Provisoirement? Définitivement? J'ai enfin pu retrouver le plaisir de mettre à jour mes différents blogs.

Sur celui-ci, je viens de poster plusieurs articles sur le premier long métrage de François Truffaut, les Quatre cents coups.

Je vous invite évidemment à les découvrir:

Pour démarrer

Le diaporama des photos

Des extraits video

Bonne découverte !

Les Quatre cents coups Extraits videos

2006-10-21T23:37:00.000+02:00

Le générique début

La bande annonce

Le diaporama

Les quatre cents coups Conclusion

2006-10-21T22:11:00.000+02:00

« Avec Les 400 coups, François Truffaut entre dans le cinéma moderne comme dans le collège de nos enfances. Enfants humiliés de Bernanos. Enfants au pouvoir de Vitrac. Enfants terribles de Melville-Cocteau. Et enfants de Vigo, enfants de Rossellini, bref enfants de Truffaut, expression qui passera à la sortie du film dans le langage public. On dira bientôt les enfants de Truffaut comme on dit les lanciers du Bengale, les empêcheurs de danser en rond, les rois de la mafia, les fous du volant, bref encore, les drogués du cinéma. Dans Les 400 coups la caméra du metteur en scène des Mistons sera de nouveau, non pas à la hauteur d'homme comme chez le père Hawks, mais à hauteur d'enfant. Et si on sous-entend arrogance, quand on dit hauteur à propos des plus de trente ans, on sous-entend beaucoup mieux, quand on dit hauteur à propos des moins de seize ans: on sous-entend orgueil, bref toujours, les 400 coups sera le film le plus orgueilleux, le plus têtu, le plus obstiné, et en fin de compte, le film le plus libre du monde. Moralement parlant. Esthétiquement aussi. Les objectifs dyaloscopiques réglés par Henri Decae nous en ficheront plein la vue, comme ceux de La Ronde de l'aube. Le découpage sera vif et aéré, comme celui des Passions juvéniles. Le dialogue et les gestes mordants, comme dans Baby Face Nelson. Le montage délicat comme celui de La Déesse. La précocité montrera le bout de l'oreille comme dans Le Gaucher. Ces titres ne s'échelonnent pas au hasard sous les touches de ma Japy électrique. Ce sont ceux qui font partie de la liste des dix meilleurs films de l'année 1958 selon François Truffaut. Charmante et belle famille à laquelle Les 400 coups s'intégrera parfaitement.

Pour nous résumer que dire ?

Ceci: Les 400 coups sera un film signé

Franchise.

Rapidité.

Art.

Nouveauté.

Cinématographe.

Originalité.

Impertinence.

Sérieux.

Tragique.

Rafraîchissement.

Ubu-Roi.

Fantastique.

Férocité.

Amitié.

Universalité.

Tendresse. »

C'est en ces termes que s'exprimait Jean-Luc Godard, dans "Les cahiers du cinéma" en février 1959, à propos du premier long-métrage de François Truffaut.

Tout était dit et si bien dit.

Relisez ce texte, assez rapidement, avec véhemence même comme il sied aux œuvres qui témoignent de la jeunesse, de l’ardeur et de la passion.

Vous entendrez alors comme un écho aux Quatre cents coups, premier film génial et tendre d’un auteur de cinéma.

Précipitez-vous ensuite dans une salle pour y subir le ravissement qui saisissait François Truffaut lorsque le lion de la Goldwyn ou la fanfare de la Fox apparaissaient sur l’écran magique.

Film très maîtrisé d’un fou de cinéma qui connaît son art et sa technique déjà sur le bout des doigts, film sociologique aussi quand il nous montre un Paris aujourd’hui en grande partie disparu (en gros celui des photographies de Doisneau, Ronis ou Boubat), Les quatre cents coups ne sont pas pour autant le seul reflet d’une époque.

C’est aussi parce qu’il s’agit à mon sens d’un grand film psychologique dont les thèmes, d’une parfaite intemporalité, sont traités sans lourdeur, sans bavardage d’aucune sorte mais avec une infinie tendresse pour ses personnages que Les quatre cents coups peuvent nous parler et nous séduire encore aujourd’hui, presque 50 ans après leur sortie.

Quelques liens :

http://www.abc-lefrance.com/fiches/400coups.pdf

http://www.quartzfilms.com/writing/truffautintro.htm

http://www.krinein.com/cinema/Aventures-d-Antoine-Doinel-4971.html

http://www.forumdesimages.net/fr/alacarte/htm/LEPARISDE/TRUFFAUT/content.htm

http://www.fluctuat.net/cinema/dossiers/truffaut/truffaut.htm

http://collegeaucinema37.free.fr/html/Main/400coups.htm

http://archives.arte-tv.com/fr/archive_14913.html

http://www.deficulturel.net/modules/soapbox/article.php?articleID=48

Le diaporama

Les quatre cents coups (6)

2006-10-21T21:56:00.000+02:00

Lieux de tournage

Le quartier d’enfance de Truffaut se situait au pied de la butte Montmartre, entre la place Clichy et la place Pigalle.

Ce n’est donc pas un hasard s’il tourne Les quatre cents coups dans cette zone géographique de Paris.

L’appartement bohème de son ami René est situé au 16 rue Fontaine. c'est celui du journaliste et cinéaste Claude Vermorel.

Les séquences chez les Doinel ont été filmées sur l'autre versant de la butte Montmartre, dans un minuscule appartement de la rue Marcadet.

Pour les extérieurs, Truffaut reste ancré dans son quartier, qu'il s'agisse de la séquence filmée en plongée de la sortie de gymnastique des écoliers dont les rangs se clairsèment au fur et à mesure ou de la place Clichy : Antoine va au Gaumont-Palace - lieu mythique saccagé par les bétonneurs - voir avec ses parents le film de Jacques Rivette Paris nous appartient (qui sortira seulement deux ans après le tournage des 400 coups...) et, ayant séché la classe, surprend sa mère avec son amant devant la bouche du métro.

A quelques mois de sa mort, Truffaut écrivait à Robert Lachenay : "Les seuls souvenirs toujours frais et vivaces qui défileront sans cesse devant nous comme un film monté "en boucle", eh bien ce seront ceux qui vont de Barbès à Clichy, des Abbesses à Notre-Dame-de-Lorette, du Ciné-Club Delta au Champollion..."

Les scènes de la salle de classe ont été tournées quant à elles à l'Ecole technique de photographie et de cinéma de la rue de Vaugirard.

Sa vie durant, Truffaut sera fasciné par la Tour Eiffel, au point d'en collectionner les répliques.

L'une d'entre elles servira même d'arme à Fanny Ardant pour assommer un adversaire dans son dernier film, Vivement dimanche!

C’est sans doute la raison pour laquelle elle apparaît, grandeur nature, tout au long du générique de début des Quatre cents coups comme une présence impressionnante et inatteignable, écho du premier projet de court métrage qu'il avait présenté au producteur Pierre Braunberger : "C'était une idée assez amusante: une fille vient à Paris pour un héritage, et qui veut voir la tour Eiffel. Elle n'a que quelques heures, elle aperçoit de partout la tour Eiffel qui apparaît et disparaît, mais ne sait comment l'atteindre."

(sources François Porcile)

Les séquences du centre d’observation des mineurs et de la course d’Antoine vers la mer ont, quant à elles, été tournées en Normandie.

Suite

Les quatre cents coups (5)

2006-10-21T21:51:00.000+02:00

Les quatre cents coups, point de fuite et affranchissement

Truffaut ne nous raconte pas qu’une histoire, il l’insère dans un environnement social, humain, psychologique riche.

Il nous montre les lieux de plaisir :

cinéma où les gosses fauchent les photos des films,

cinéma où l’on va pour oublier les soucis et les tracas,

fêtes foraines où l’on va pour s’enivrer de sensations fortes).

Il nous montre le temps des loisirs qui sont ceux de la circulation, du mouvement :

les rallyes, passe-temps favori du père,

les chemins de traverse d’Antoine qu’il emprunte seul ou avec René en faisant l’école buissonnière, qui devrait s’appeler en ce qui le concerne l’école de la rue,

les rendez-vous de la mère dans la rue avec son amant.

Les loisirs, c’est donc essentiellement le mouvement comme le cinéma est l’art de l’image en mouvement.

Pour jouer un peu plus sur ce thème du mouvement, - est-ce voulu par Truffaut ? - dans l’opus suivant des aventures d’Antoine, le loisir préféré est celui qui consiste à s’abonner au mouvement des Jeunesses musicales pour écouter de la musique classique, où l’on parle aussi de mouvements, symphoniques ceux-là, en particulier ceux de la symphonie fantastique de Berlioz, comme est fantastique le cinéma.

Il nous montre les lieux de l'enfermement, les moments de punition, de corvée ou de souffrance:

l’école, le tableau noir et le coin pour les cancres d’une classe mal éclairée, mal chauffée, les planches géographiques, les dictées et les brimades, les mensonges,

la corvée de poubelle

le vol de la machine à écrire et ses conséquences funestes

la prison

Truffaut nous montre surtout la manière qu’ont les hommes, les femmes et les enfants de se cacher ou de disparaître pour vivre leur vie.

Il me semble que c’est d’ailleurs là le thème principal du film.

Quels sont les différents moyens existants pour s’enfuir d’une réalité contrariante, être aux abonnés absents ?

Fuir plutôt que faire face et se confronter pour résoudre ses problèmes :

Le père fuit dans ses loisirs un travail visiblement alimentaire, il fuit les réalités en racontant des blagues éculées qui ne font rire que lui, il fuit ses responsabilités en refusant de voir Antoine glisser doucement mais sûrement dans le mensonge, il refuse de venir voir son fils au centre de mineurs délinquants. On a appris entre-temps qu’il n’est pas le «vrai» père d’Antoine. Là encore il a fui devant la vérité qui ne semble ici jamais bonne à dire, malheureusement. Symbole de l’absence du père que la leçon d’anglais dans le film pose sous forme de question « Where is the father ? »

La mère fuit le regard du fils et du mari. La seule chose qu’elle ne fuit pas semble être son regard sur elle-même, pas forcément bienveillant d’ailleurs.

Antoine fuit lui aussi la réalité désagréable. L’école, la maison ne sont pas chaleureux, il faut donc les quitter. Le centre d’observation sera lui aussi quitté, Antoine s’en échappera pour rejoindre la mer, cette mer qu’il ralliera en courant accompagné d’un superbe travelling sur la plage. Son dernier regard est pour nous, droit dans les yeux, il ne nous lâche pas puisque la dernière image est fixe. Est-ce le bout de la route pour Antoine ? Trouvera-t-il un lieu où se fixer comme cette image sur la pellicule ? Truffaut nous offrira une réponse, quelques années plus tard dans Antoine et Colette en nous apprenant par la voix off du début du film que son personnage a demandé son émancipation et travaille, enfin, comme un adulte à sa liberté.

Que signifie ce regard qui nous fixe ? Seul moment de contact réel, possible seulement avec les spectateurs?

Se cacher, s’échapper, fuguer, pour finir par disparaître semble donc la règle dans Les quatre cents coups.

Truffaut aimait à se réfugier dans les salles obscures depuis sa jeunesse. S’agissait-il de fuir une réalité semblable ?

« Le cinéma vaut mieux que la vie » disait-il en substance. Le cinéma pour s’oublier ? En tant que spectateur, peut-être, en tant que cinéaste, c’est le réel qui l’anime.

En fait, ce premier long-métrage sera pour lui comme une catharsis, l’occasion de se confronter à sa vie, un outil puissant pour enfin dire ce qui le taraudait tout en tenant à distance les sujets de son ressentiment.

Antoine de Baecque et Serge Toubiana ne nous disent pas autre chose dans leur « François Truffaut » paru chez Gallimard, lorsqu’ils évoquent les relations distendues avec ses parents après la sortie du film.

Pour des deux auteurs, le film porte «les traces de ces déchirements et d’un affranchissement douloureux. »

Dans Les quatre cents coups, Truffaut nous montre les dégâts causés par l’indifférence et l’incompréhension, les conséquences désastreuses des secrets de famille.

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Les quatre cents coups (4)

2006-10-21T21:47:00.000+02:00

Les quatre cents coups, un hommage aux grands maîtres du cinéma

Le jeune réalisateur qu’est Truffaut à l’époque voue un culte parfois féroce (rappelons-nous de ses années de critique mordant et mordu de cinéma) à quelques grands maîtres du cinéma. Il contribua d’ailleurs à la reconnaissance internationale de certains grands réalisateurs américains considérés auparavant comme d’estimables faiseurs.

La séquence de la sortie de gymnastique des écoliers dont les rangs se clairsèment au fur et à mesure est un hommage à la promenade de Zéro de conduite de Jean Vigo.

On sait toute l’admiration que Truffaut avait à l’égard d’Alfred Hitchcock. Il ne manque pas de trousser un petit hommage au maître du suspens, bien discret mais réel, qui je crois a échappé à de nombreux spectateurs du film.

Nous connaissons le goût qu’avait Hitchcock pour apparaître fugitivement dans ses films.

Lorsqu’ Antoine se rend à la fête foraine, il fait un tour dans un rotor en bois, attraction bien connue à l’époque dont le principe était fondé sur la force centrifuge.

Truffaut est présent dans cette scène comme figurant et il fait un tour avec Antoine en compagnie de Philippe de Broca, son assistant.

C'est bien Truffaut dans le rotor, à sa gauche son assistant Philippe de Broca

Et voilà pour la présence hitchockienne !

Est-ce le hasard également si Truffaut fait appel à Henri Decae, grand opérateur photo, collaborateur de Jean-Pierre Melville sur Bob le flambeur, film très apprécié du jeune critique Truffaut ?

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Les quatre cents coups (3)

2006-10-21T21:45:00.000+02:00

Les quatre cents coups, un film de l’enfance, de l’apprentissage de la vie.

Les quatre cents coups est en effet l’un des grands films sur l’enfance, état cher à Truffaut.

Et c’est vrai qu’il place sa caméra, non à hauteur d’homme, mais « à hauteur d’enfant », comme l’écrira Godard. En 1959, ils n’étaient pas nombreux alors les films qui avaient tenté cela.

Le sont-ils plus aujourd’hui ? Je n’en suis pas certain.

Des films pour les enfants, avec des enfants, réalisés parfois par des adolescents attardés, dont le scénario et la production sont mal développés ou dont le projet est uniquement démagogique, il y en a tant et plus.

Mais des films réalisés par des auteurs qui restituent ce moment court de la vie d’un homme avec tant de fraîcheur et d’authenticité, il y en a peu assurément.

Et comme l’enfance est complexe, il est difficile de réduire le film à un genre.

Le sujet est douloureux mais on y sourit autant qu’on y pleure. Antoine est un enfant ignoré plus que physiquement maltraité. Le trouble n’en est pas moins grand.

Aucun signe de reconnaissance ou si peu, ce n’est pas Boris Cyrulnik qui nous contredira en évoquant le drame que cela peut représenter pour un enfant.

Truffaut nous montrera dans le cycle des aventures d’Antoine à quel point il sera capable de résilience. Jusqu’à parler avec l’ancien amant de sa mère devant la tombe de celle-ci.

Mais ceci est pour le moment une autre histoire.

La fameuse séquence du guignol. Des instants saisis que Doisneau ou Ronis n'auraient pas renié.

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Les quatre cents coups (2)

2006-10-21T21:42:00.000+02:00

Les quatre cents coups, film autobiographique ?

Le sujet du film, celui d'un jeune garçon, mal aimé, qui choisit de fuguer plutôt que d'affronter ses parents et, de petites bêtises en gros mensonges, se retrouve dans un centre d'observation pour mineurs délinquants, est largement autobiographique. C’est Truffaut qui se raconte.

Le réalisateur a vécu ses années de jeunesse sous l'Occupation. De nombreuses similitudes unissent Antoine Doinel et le jeune François Truffaut.

Dans un dialogue avec la psychologue à la fin du film, Antoine Doinel en dit plus long sur son passé, face à la caméra.

Ce qu'il explique, c'est en fait la vie de François Truffaut.

Elevé par sa grand-mère, Doinel/Truffaut ne retourne vivre chez sa mère qu'à l'âge de huit ans, une mère remariée à un homme qui accepte l'enfant et lui donne son nom.

Les quatre cents coups, les vrais ceux-là, François Truffaut les fait avec son camarade de classe Robert Lachenay, une amitié qu'il recrée dans son film avec la complicité qui unit Antoine Doinel et son copain d'école buissonnière René.

Comme Doinel, Truffaut trouve refuge lors de ses jeunes années dans le cinéma et la littérature.

Comme Doinel, Truffaut sera enfermé.

Là où Antoine a inventé la mort de sa mère comme excuse à balancer au visage de son professeur inquisiteur, François avait prétexté l'arrestation par les allemands de son père.

Comme Antoine, Truffaut n’a pas connu son père biologique qui était dentiste.

Comme Antoine, Truffaut a voué une véritable passion pour Balzac qui fut l’un de ses écrivains préférés. Balzac sera d’ailleurs évoqué dans d’autres films de Truffaut, La peau douce, La sirène du Mississippi, Baisers volés et Les deux Anglaises et le Continent.

A travers Les quatre cents coups François Truffaut exorcise les douleurs de son enfance.

Pour autant, « si Les quatre cents coups était seulement un film autobiographique, aurait-il jamais atteint les foules des cinq continents, à travers des cultures et des sociétés dont les moeurs familiales sont parfois très éloignées de nous ? » (Jean Collet)

Truffaut dira : « Je crois qu'au départ, il y avait beaucoup de moi-même dans le personnage d'Antoine. Mais dès que Jean-Pierre Léaud est arrivé, sa personnalité qui était très forte m'a amené à modifier souvent le scénario. Je considère donc qu'Antoine est un personnage imaginaire qui emprunte un peu à nous deux ».

« On ne fait pas un film tout seul et si je n'avais voulu que mettre en images mon adolescence, je n'aurais pas demandé à Marcel Moussy de venir collaborer au scénario et de rédiger les dialogues. »

Le scénario est puisé dans l’adolescence de Truffaut. Son ami Robert Lachenay est mobilisé pour faire ressurgir les souvenirs. « Antoine, ce n’est pas Truffaut, c’est un amalgame des deux, il a un peu piqué sa jeunesse à son copain Lachenay. C’était plutôt Lachenay à l’époque qui était le moteur. Truffaut était un peu timide, il était tiré par Lachenay. » (Claude de Givray)

La part autobiographique du film n’a pas valu à Truffaut que des remerciements.

Ses relations avec son entourage familial ont été difficiles longtemps après la sortie du film.

Il se sentira même tenu de préciser que « si le jeune Antoine Doinel ressemble parfois à l’adolescent turbulent que je fus, ses parents ne ressemblent absolument pas aux miens qui furent excellents… »

La rupture avec ses parents va durer trois ans. Même après avoir renoué avec eux, il tiendra ses enfants à distance de leurs grands-parents. Ainsi, sa mère ne verra jamais ses petites-filles.

Truffaut confiera un jour à sa mère : « Je fais le métier qui me plaît, absolument, le seul possible pour moi, mais il ne me rend pas heureux. Je suis triste, maman, très souvent triste.»

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Les quatre cents coups Introduction

2006-10-21T21:39:00.000+02:00

Les quatre cents coups, c’est le premier long-métrage de Truffaut, jeune homme d’à peine 27 ans au moment de la sortie du film, celui qui le rend immédiatement célèbre.

C’est, avec A bout de souffle de Jean-Luc Godard, le film qui symbolisera la «Nouvelle Vague» alors naissante qui revendiquait le statut d'auteur pour les réalisateurs, un réalisme et une simplicité des films renforcés.

"Cherche un jeune garçon de douze à quatorze ans pour tenir un rôle dans un film de cinéma." Ce sont les termes de l’annonce parue dans France soir en 1958 pour trouver l'acteur qui incarnera Antoine Doinel dans un film qui sortira l’année suivante et sera récompensé à Cannes.

Dans le film, cet Antoine Doinel est confronté au monde des adultes. C’est un jeune garçon dont les parents semblent se désintéresser. Son maître d’école est incapable de comprendre sa passion naissante pour la littérature. Antoine décide alors avec René, son meilleur ami, de s’adonner aux joies de l’école buissonnière. Après avoir surpris sa mère avec un amant il finit par fuguer, vole une machine à écrire, se fait pincer en la rapportant, échoue dans un centre d'observation pour mineurs délinquants dont il s'échappera pour aller découvrir la mer comme il se l’était promis.

Une histoire aux allures de fait divers puisé dans le réel.

Le film est produit par Ignace Morgenstern, beau-père de François Truffaut ( « Mon père avait de l’estime pour François et le trouvait intelligent, mais il n’avait pas été emballé par Les Mistons. Alors évidemment, il a produit Les quatre cents coups pour aider notre ménage, pour donner une chance au mari de sa fille de prouver qu’il était capable de faire des films » dira Madeleine Morgenstern-Truffaut, dans un entretien accordé à A. de Baecque et S. Toubiana).

Le budget est d’environ 47 millions, somme très nettement en retrait par rapport au coût d’un film de l’époque.

Le film est tourné en cinémascope noir et blanc. Une manière de styliser l’image, le récit étant âpre, dénué de sentimentalisme. De plus, et comme l’expliquera Truffaut, tourner en cinémascope n’était pas un luxe. Bien que les objectifs spéciaux soient plus chers, la largeur du scope permet de montrer plus et plus vite. En particulier dans l’appartement étriqué. Sans cela, le récit aurait été alourdi, l’image aurait paru plus sale, le film « pauvre ». Ce sont là les arguments mêmes de Truffaut pour le choix de l’écran large.

Henri Decae est aux commandes derrière la caméra et offre tout son art de la photo au jeune metteur en scène. Tant et si bien que son salaire est supérieur à celui de Truffaut.

Développé avec Marcel Moussy, le scénario est achevé à la fin de l’été 1958 et porte son titre définitif. Les autres titres imaginés furent : La fugue d’Antoine, Les quatre jeudis, L’âge ingrat, es enfants oubliés, Le vagabondage, Les vagabonds, Les enfants vagabonds, A bas la rentrée, Les mauvais génies.

Truffaut a soigneusement préparé son film, en s’entourant de conseils de spécialistes de l’enfance pour éviter comme il le dit lui-même le danger « d’une confession geignarde et complaisante. »
Des dizaines enfants répondirent à l’annonce de France-Soir pour le rôle d’Antoine Doinel et plusieurs centaines furent auditionnés.

C’est Jean-Pierre Léaud qui fut retenu. Fils d’un père scénariste et d’une mère comédienne, lui aussi s’entendait mal avec ses parents.

Il avait déjà fait une apparition au cinéma, aux côtés de Jean Marais.

Ses bouts d’essai sont extraordinaires. Ceux qui les ont vus ne peuvent être que stupéfaits par sa gouaille et sa présence devant la caméra. Sa farouche volonté d’être engagé pour le rôle sont évidents. Il est l’Antoine Doinel que souhaite Truffaut. Il le sera bien plus encore que le réalisateur et lui-même et ne pouvaient alors l’imaginer.

Cette première apparition de Jean-Pierre Léaud dans le rôle d’Antoine Doinel, acteur avec lequel François Truffaut entretiendra une relation particulièrement forte, ne sera en effet pas la dernière.

Un véritable cycle des aventures d’Antoine Doinel naîtra (suivront en effet Antoine et Colette, Baisers volés, Domicile conjugal et L’amour en fuite).

Unique exemple de collaboration entre un réalisateur et un acteur autour d’un personnage en évolution sur de nombreuses années. Truffaut/Leaud/Doinel ou le cinéma comme art d’initiation à la vie d’homme.

L’ombre d’André Bazin, grande figure de la critique cinématographique et « père adoptif » de Truffaut, plane sur le film qui lui est dédié. Bazin encouragea le jeune Truffaut à écrire sur le cinéma en l’introduisant auprès des équipes des Cahiers du cinéma et d’Arts.
Or, André Bazin meurt d’une leucémie le premier jour du tournage. Ceci explique sans doute la noirceur du film.

Comme le remarquent de Baecque et Toubiana dans leur ouvrage sur Truffaut, « tandis qu’un personnage de fiction est en train de naître, le vrai père disparaît.»

Commencé en novembre 1958, le tournage du film s’achève le 4 janvier 1959.

C’est Jean Constantin qui compose une partition simple et sensible. La musique du générique est à mon sens proche de la perfection.

Les réactions aux premières projections seront excellentes.

Le comité du festival de Cannes sélectionnera le film pour représenter la France aux côtés d’Orfeu Negro et d’Hiroshima mon amour.
A l’issue de la projection cannoise, ce sera le triomphe pour l’équipe du film.

Paris-Match parlera du « festival des enfants prodiges », le magazine Elle écrira «Jamais le festival n’a été si jeune, si heureux de vivre pour la gloire d’un art qu’aime la jeunesse. Le XIIème festival du film a le grand honneur de vous annoncer la renaissance du cinéma français.»

Les quatre cents coups obtiendra le Prix de la mise en scène.

Avant même d’être distribué dans les salles, le film a rapporté le double de son budget par ses ventes à l’étranger.

La reconnaissance est quasi-unanime, la fréquentation dans les salles sera au rendez-vous.

Pour un coup d’essai, c’est un coup de maître.

Suite

Les Quatre cents coups Diaporama

2006-10-21T21:35:00.000+02:00

Générique début
Musique composée par Jean Constantin

Le moteur de recherche de "Tout le cinéma"

2006-10-20T10:41:00.000+02:00

Vous cherchez plus d'informations sur :

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Plus rien ne vous échappera !

Testez-le en faisant tout de suite une recherche. Et dites-moi ce que vous en pensez.

Daniel Emilfork

2006-10-20T00:48:00.000+02:00

Je viens d'apprendre la mort à l'âge de 82 ans du comédien et metteur en scène français d'origine chilienne Daniel Emilfork.

Sa silhouette particulière et sa voix extraordinaire ont hanté de nombreux films parmi lesquels :

"La cité des enfants perdus"
"la belle captive"
"Pirates"
"Le Casanova de Fellini"
"What's new Pussycat"
"Maigret tend un piège"
"Les espions".

Daniel Emilfork, à l'extrême-gauche, dans "Notre-Dame de Paris"

Comme le dit Fabienne Darge dans Le Monde, "Pour beaucoup - pour les plus jeunes, notamment -, Daniel Emilfork restera comme l'inoubliable Krank, le voleur de rêves d'enfant de La Cité des enfants perdus, le film de Caro et Jeunet. Les autres se souviendront d'un des multiples rôles hors normes qu'il a incarnés avec son physique de héros expressionniste. Des méchants et des monstres. Des vampires, des diables, des savants fous, des espions. Sade en personne, son plus grand rôle au théâtre, dans Marat-Sade, de Peter Weiss, mis en scène par Walter Le Moli en 1986."

Extrait d'une interview de Daniel Emilfork par Jacques Chancel : pour l'écouter, cliquez sur la flèche verte.

Lire l'article du Monde

La fiche de Wikipédia

La fiche d'AlloCiné

Daniel Emilfork et Jacques Tardi

Si vous aimez la bande dessinée, peut-être vous souvenez-vous d'Adèle Blanc-Sec, fameuse série réalisée par Jacques Tardi ?

Emilfork a, en effet, inspiré certains personnages au dessinateur.

Lire l'entretien entre ces deux artistes

"Dans l'imagination des survivants, les morts ne cessent jamais de mourir" (Alain, Propos sur le bonheur)

Un petit cadeau

2006-10-19T20:15:00.000+02:00

Quelques photos des films évoqués jusqu'à présent sur ce blog...

Musique du film La mort aux trousses composée par Bernard Herrmann - générique début

Court-métrage d'animation "Pete"

2006-10-07T00:14:00.000+02:00

Beaucoup de talent et d'humour

Pete

Musiques de films

2006-10-05T20:56:00.000+02:00

Sur cette page, vous trouverez des extraits des plus belles musiques de films.

Le but n'est évidemment pas de faire du piratage mais de permettre la découverte ou la redécouverte de ces oeuvres.

Je reste évidemment à l'écoute des éventuels ayants-droits.

Les 400 coups - BO de Jean Constantin

Beetlejuice - BO de Dany Elfman

Je ne suis pas là pour être aimé - BO de Gotan Project

In the mood for love, thème Angkor Wat - BO de Michael Galasso

Princesse Mononoké - BO de Joe Hisaishi

Flashback 2005 : De battre mon coeur s'est arrêté

2006-09-28T15:27:00.000+02:00

Flashback 2005

"De battre mon coeur s'est arrêté", de Jacques Audiard

A 28 ans, Tom semble marcher sur les traces de son père qui vit dans l'univers violent de l'immobilier véreux. Mais une rencontre fortuite le pousse à croire qu'il pourrait être le pianiste concertiste de talent qu'il rêvait de devenir, à l'image de sa mère. Sans cesser ses activités, il tente de préparer une audition.
C'est l'histoire d'une réminiscence salvatrice, d'une rédemption.

A savoir : ce film est un remake de "mélodie pour un tueur" de James Toback.

Anecdote : 8 césars lui ont été decernés (meilleur film, meilleur réalisateur, meillleure musique, meilleur acteur dans un second rôle pour Niels Arestrup, meilleur espoir féminin pour Linh-Da Pham, meilleure adaptation, meilleur montage, meilleure photographie).
Assez étrangement, Romain Duris, qui porte littéralement le film, qui est de chaque plan, chaque scène n'a rien reçu...

"De battre mon coeur s'est arrêté" est le quatrième film de Jacques Audiard, après "Regarde les hommes tomber", "Un héros très discret" et "Sur mes lèvres".

Et le deuxième en collaboration avec Tonino Benacquista, dont je vous recommande tous les livres (faites-moi plaisir, lisez "Quelqu'un d'autre").

Entretien avec Jacques Audiard :

Comment vous est venue l'idée d'un remake de Fingers de James Toback ?
C'est Pascal Caucheteux, alors qu'il venait de finir de produire le remake d'ASSAULT de Carpenter, réalisé par Jean-François Richet, qui m'a demandé si la réalisation d'un remake pourrait m'intéresser, et si oui, lequel ? La réponse m'a semblé évidente : c'était FINGERS de James Toback. Pourquoi ? Bien sûr parce que le film m'avait marqué lorsque je l'avais vu à sa sortie. Mais sans doute aussi parce que c'était un film qu'on avait du mal à revoir, qui repassait peu et qui, à force, avait créé autour de lui un
mystère supplémentaire. FINGERS, pour le situer rapidement, c'est un peu la queue de la comète du cinéma indépendant américain des années 70. Le héros,Tom ou Johnny, je ne me souviens plus, c'est Harvey Keitel. Keitel au sortir de MEAN STREETS, donc de chez Scorsese, et autour pas mal des acteurs viennent de la constellation Coppola. Bref, c'est un film très fréquenté ! Quand j'ai revu le film avec Tonino, je me suis demandé si je ne lui avais pas survendu ! Il y avait des trous énormes dans l'histoire, des hauts formidables mais aussi des bas redoutables. Et puis, beaucoup de poses cinématographiques très datées.

Pourquoi un tel attachement à Fingers ?
Pour tous ses thèmes apparents et sous terrains : le père, la mère, la filiation, la réforme d'une vie, le coût des actes, le passage à l'âge adulte etc.

Pourquoi avoir choisi l'immobilier comme "Lieu du crime”?
Dans FINGERS, le milieu est celui de la mafia italo-newyorkaise. Il fallait donc oublier. En réfléchissant avec Tonino on s'est assez vite fixé sur le milieu de l'immobilier (nous l'avions déjà, d'une certaine façon, exploité dans SUR MES LÈVRES) et plus précisément celui des petits marchands de biens dont les agissements sont parfois parfaitement immoraux et à la limite de la légalité. De plus, il y a, je trouve, un rapport analogique entre le voyou qui accapare des vies, et le marchand de bien qui accapare du terrain, de la terre avec des gens dessus. Dans les deux cas ils accaparent de l'inaliénable.

La scène des rats souligne le sordide de leurs pratiques...
Oui, ce sont eux les rats. Et comme les rats, ils finiront par se bouffer entre eux. La scène ne dit rien d'autre.

A quels films avez-vous pensé ?
Je n'ai pas le sentiment que l'on ait remué énormément de références. FINGERS était suffisante ! Mais avec Tonino, on a revu les films de James Foley, notamment GLENGARRY GLEN ROSS. Milieu de l'immobilier, viril, sans concession, suintant. Un huis clos intéressant, à la fois très libre et très formel.

Pourquoi avori choisi d'inscrire De battre mon coeur s'est arrêté dans le réalisme ?
D'abord parce que le cinéma est réaliste, et qu'ensuite si l'on doit raconter une histoire dont la proposition est invraisemblable (“Peut-on être marchand de biens et pianiste concertiste ?”) il vaut mieux que cette histoire s'inscrive dans le cadre le plus réaliste possible, c'est-à dire le moins contestable par le spectateur. Sinon, personne ne croira à rien ni aux personnages, ni à ce qui leur arrive, ni aux situations... à rien. Et puis, c'est une façon aussi de retrouver la morale. Parce que l'on est dans quelque chose de réaliste, j'ai des repères, je sais ce qui est bien, ce qui est mal. Je vois comme c'est difficile pour le héros de passer du mal au bien, que ce n'est pas une partie de plaisir, que ça coûte. Je m'étais dit qu'au tournage j'allais prendre les choses comme elles viendraient. Dans leurs décors, dans leur éclairage. Je m'étais même décidé à ne pas me poser la question des raccords lumière... à tourner “en l'état”.

Pourquoi avoir tourné De battre mon coeur s'est arrêté en plans séquences ?
Dans le film de Toback, le personnage d'Harvey Keitel est ultracamé, à la limite du pathologique. Je n'avais pas envie de ça , c'était trop simple. Trop explicatif. En revanche, j'avais envie d'un film qui aille vite, pas trop apprêté, pas “formel” (même si
je ne sais pas trop ce que cela veut dire), un film “modeste” (idem). Je voulais que ça aille vite et en même temps que l'on soit suffisamment sur le personnage pour saisir l'émotion, la sensation. J'étais dans ce paradoxe de vouloir à la fois être dans l'émotion et le rythme de Tom, tout en étant économe dans le découpage. Le plan séquence permet des axes de déplacements réels, de garder le mouvement du jeu, de montrer la respiration du personnage. Les acteurs gagnent en liberté. Si le film est trop découpé, ils se retrouvent bloqués dans des coins de décors et ne peuvent plus jouer.

Pourquoi le monde extérieur est-il souvent dans le hors champ ?
Dans les films que je fais, les personnages doivent être des héros. Le problème, c'est comment vont-ils le devenir ? Comment vont-ils cesser de l'être ? Qu'est-ce qui va les contrarier ? Ma façon d'y répondre, c'est, formellement, que le monde soit mis à l'écart, que mon héros le traverse comme une force en marche.
J'ai eu très tôt la certitude que la vitesse de DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ allait reposer sur le ou les comédiens. Qu'ils seraient cadrés assez serrés et que l'extérieur serait un hors champ qui existerait, par le son, et par les récits des événements. Comme au théâtre, en somme.

Comment avez-vous pensé à Romain Duris pour le rôle de Tom ?
J'avais envie d'un acteur qui soit à un moment charnière, autant dans sa vie d'homme que dans sa vie professionnelle. Et que cela fasse partie intégrante du sujet du film. Par ailleurs, j'avais besoin d'une figure assez juvénile, crédible dans le rôle du marchand de biens comme dans celui d'un “music-addict”. Je vois Romain bouger dans le paysage depuis une dizaine d'années, depuis LE PÉRIL JEUNE où il n'avait que vingt ans. Je l'ai vu évoluer, changer, s'affirmer... En choisissant un acteur, il y a évidemment le désir de le filmer... Je ne pourrais pas filmer n'importe quel acteur. Romain crée un appétit. On a envie de tourner autour de lui, de le voir bouger.

Pourquoi Tom renonce-t-il à venger son père ?
Parce que la vengeance est dérisoire... Plutôt que de montrer l'épreuve de tuer quelqu'un en lui mettant une arme dans la bouche, je voulais montrer celle de ne pas tuer. Au cinéma c'est facile de tuer, mais dans la vie, pour quelqu'un de normalement constitué, j'imagine que c'est une épreuve. A vrai dire, non, je n'imagine pas, je veux que ce soit une épreuve. Sinon c'est le règne animal. Tom devait sortir du film plus grand qu'il n'y était rentré, il me semble alors que tuer lui était impossible. Dans le film de Toback, on est chez les fous furieux, c'est autre chose.

Le personnage du père de Tom joué par Niels Arestrup ?
C'est un personnage ogresque. Un ogre, s'il est bien conçu, doit avoir une voix douce, féminine, au-delà de son physique très mâle et très autoritaire... Poucet doit entendre la douce voix de la mère dans l'ogre pour que son échine se froisse... Niels Arestrup a une voix comme cela. Très timbrée, féminine, susurrée... Mais les micros saturent, c'est la voix du Diable... Avec ce personnage de père je voulais aborder un moment particulier des relations père/fils, ce moment où les pères deviennent les fils de leurs fils, et par voie de conséquence, celui où les fils découvrent qu'ils sont mortels.

Est-ce vraiment une chance poru Tom de rencontrer Monsieur Fox ?
Cette rencontre avec Fox l'oblige à prendre conscience des rapports qu'il a avec son père. Tom veut réussir son audition. Mais pour se faire, il doit abandonner son père et retourner symboliquement (parce que le piano c'était elle) du côté de la mère. Fox crée à la fois une échéance et une nécessité. Sans cette rencontre, Tom aurait probablement continué de s'occuper de son père. Là, il prend conscience de leurs rapports et de leurs limites. On peut voir aussi Monsieur Fox comme la version sublimée du père. Le père rêvé, juste, attentif, solide. Le père caché. Le père-mère.

Pourquoi l'épilogue deux ans plus tard ?
Le temps que le talent de Miao-Lin soit révélé au public grâce à Tom. Le temps de ce qui semble être une liaison qui dure. Le temps peut-être pour Tom de se dire que Miao-Lin est l'amour de sa vie, une femme qu'il aime et admire.

Pourquoi Chris et Aline disparaissent-elles du film ?
Le film raconte l'histoire d'un type qui grandit. Il grandit parce qu'il trouve, grâce à la musique, que sa vie de magouilleur est nulle et chemin faisant, il se rapproche naturellement des femmes. Il peut maintenant leur parler, avouer à Aline qu'il l'aime. Mais son projet, ce qui le pousse en avant, reste quand même la musique. Et c'est en fait avec Miao-Lin que les choses se concrétiseront vraiment, normal puisque c'est une femme et qu'elle est musicienne.

Comment Alexandre Desplat a-t-il travaillé la musique de votre film déjà imprégné de musique de part en part ?
Du fait que Tom écoutait beaucoup de musique et en jouait, la question posée à Alexandre était assez spécifique : composer une musique qui puisse se glisser entre la musique de source et Jean-Sébastien Bach. Alexandre a essentiellement travaillé le personnage de Tom, afin d'accompagner ses états d'âme. La musique qu'il a composée ne souligne jamais l'action, ne crée ni tension, ni suspens. C'est une musique qui suit Tom. Je ne sais pas si le terme “musique psychologique” existe, mais ce serait presque cela.

Pourquoi avoir conservé La Toccata en Mi Mineur de Bach que Harvey Keitel jouait dans Fingers ?
Le Bach des Toccatas - contrairement à celui des Passions ou des Messes - se pose comme théoricien du clavier. Les Toccatas sont des pièces parfois austères, ardues, et souvent virtuoses. C'est une musique géométrique, sans effusion, sans romantisme. Si Tom avait dû jouer du Schubert par exemple, il aurait dû interpréter, y mettre du pathos, de l'expression. Du coeur. Or ce sont justement là les problèmes de Tom : peut-il s'exprimer et a-t-il un coeur ? Seuls des pièces comme les Toccatas sont pour lui envisageables parce qu'il s'agit de jouer les bonnes notes à la bonne vitesse et dans le bon ordre.

(extrait du dossier de presse du film)

Entretien avec Tonino Benacquista, écrivain et scénariste de "De battre mon coeur s'est arrêté"

Tonino Benacquista a publié son premier ouvrage en 1985 : “Épinglé comme une pin-up dans un placard de G.I.”, suivi quatre ans plus tard par “La Maldonne des sleepings”. En 1991, c'est la consécration avec “La Comédia des râtés” (Prix Mystère de la Critique, Grand Prix de la Littérature Policière et Trophée 813). Il est également l'auteur de “Les Morsures de l’aube”, “Trois carrés rouges sur fond noir”, “Saga” (Grand Prix des Lectrices de ELLE), “Quelqu’un d’autre” (Grand Prix RTL-Lire) et récemment “Malavita”.
Pour le cinéma, après "Sur mes lèvres" (César 2002 du Meilleur Scénario), c'est la deuxième collaboration de Tonino Benacquista avec Jacques Audiard.

FINGERS
Je n'avais pas vu FINGERS quand Jacques m'a proposé de travailler sur l'adaptation. Tous les cinéphiles purs et durs en avaient un souvenir marquant et assez émerveillé. Ils se souvenaient d'Harvey Keitel pris entre le piano et la mafia, certains même inventaient des scènes qui n'existaient pas dans le film... Quand je l'ai vu, je n'ai pas été séduit, trop décousu, trop “underground qui se cherche”. J'avais des réserves sur la narration, j'y voyais les pièges d'une transposition aujourd'hui et en France. Partant de l'enthousiasme de Jacques et de mes réserves, nous nous sommes dit qu'en travaillant, nous allions trouver un objet commun.

FILM NOIR
Ce n'est pas un film noir, même s'il y a de la violence, des revolvers, de la mafia, etc. Jacques et moi sommes empreints de série noire, mais ici cette imagerie ne nous intéressait pas. Il s'agit simplement de l'histoire d'un type qui passe à l'âge d'homme. DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ ne s'inscrit dans aucun genre. D'ailleurs, avecJacques Audiard, on n'est jamais dans aucun genre en particulier.

ADAPTATION
Nous avons respecté la proposition de départ du film de Toback. Pour nous en éloigner radicalement... Entre autres, nous avons rajouté des personnages féminins et nous avons supprimé le personnage de la mère qui n'existe plus que dans le souvenir de son fils. Je crois que le personnage qui ressemble le plus au film original est celui du père, joué par Niels Arestrup.

MÉTAMORPHOSE
Nous voulions montrer l'épanouissement d'un individu qui, pour la première fois de sa vie, se pose des questions et arrive à se surpasser. A partir du moment où on lui propose de passer une audition, la métamorphose est lancée. Il change de rythme même s'il continue à exercer son métier dans l'immobilier. Tom a désormais deux univers. Il est très ancré dans l'un, mais il se donne la possibilité de basculer dans l'autre : sa carrière de concertiste. Dans son émancipation personnelle, dans sa volonté d'être meilleur qu'il n'est, je pense que tout le monde peut se reconnaître.

MIAO-LIN
Quand Monsieur Fox propose à Tom une audition, il ne sait pas où il en est de sa pratique du piano, il est nécessaire que l'on évalue ses capacités. Ce que l'on redoutait et qui n'aurait pas marché, c'était qu'il se confronte à quelqu'un de très érudit et dont c'est le métier. D'un point de vue scénaristique, il fallait faire l'économie de ces débats musicologiques encombrants... D'où cette jeune femme asiatique, pianiste brillante, qui a besoin de travailler. Quelque chose d'autre nous plaisait en elle, d'ordre amoureux. Grâce à sa gestuelle, ses pauses, ses regards, on la sent indignée, déconcertée, inquiète, traversée par toute une gamme d'émotions.

LES FEMMES
L'une des manières de voir l'évolution de Tom, c'est l'acceptation des femmes dans son univers et sa manière de les regarder, de les écouter... Il franchit un cap. Entre autres, il s'autorise à vivre une histoire d'amour avec la femme d'un collègue et ami - de fait, il claque la porte au code d'honneur de ses copains voyous et machos. Là, il y a comme un point de non retour. Il s'excuse auprès de Chris, avec qui il avait été méprisant la première fois. Quant à cette petite nana croisée dans les vestiaires, il essaye de lui donner confiance en elle. Il lui murmure une formule magique qu'il aurait pu se dire à lui-même : “Deviens ce que tu as envie d'être”. Dans DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ, comme dans tous les films où il y a un parcours initiatique, Tom va faire une révolution sur lui-même et trouver sa place. La sienne se situe auprès d'une femme qui se trouve être une pianiste brillante.

TOM ET SON PÈRE
Même si le rapport père/fils est violent, on ne peut pas douter qu'il y ait de l'affection entre les deux, surtout dans la façon que Jacques a de les filmer. Le père est autoritaire, il a la mainmise sur son fils qu'il prend pour son exécutant, mais en même temps, il l'appelle et lui demande de l'aide. Tom le protège. Comme il est dit dans la scène pré-générique, le rapport père/fils peut s'inverser. Le père commence à s'effacer, il devient fragile, il a besoin d'assistance. Là, ce n'est pas que l'histoire de Tom, c'est celle de tous.

MINSKOV
Les gens se souviennent de la bagarre finale de FINGERS, cette scène très crue. Pour Jacques et moi, Tom allait jusqu'au bout, il vengeait son père. Mais quand on a fini le scénario, on s'est aperçu qu'il ne pouvait plus tuer ! Quand il rencontre Minskov devant l'ascenseur, par hasard, la violence est en train de se réveiller : c'est le moment inespéré de régler le solde de tout compte. Mais si Tom tuait, tout s'effondrait. Cette histoire devenait dérisoire, avec une morale du genre : “Bon, ben, on ne se refait pas !”. C'était troublant de se rendre compte à la fin de l'écriture que le personnage principal de notre histoire avait tellement changé qu'il ne pouvait pas tuer.

VOS THÉMATIQUES
Il y a sans doute des rapprochements entre le scénario de DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ et mes livres, mais je ne peux pas les faire moi-même, j'aurais du mal à les isoler. Il doit y avoir quelque chose sur l'idée d'impunité, ou sur la seconde chance que l'on s'offre à soi-même...

(extrait du dossier de presse du film)

Entretien avec Stéphane Fontaine, Chef opérateur sur "De battre mon coeur s'est arrêté"

ll a travaillé, entre autres films, sur Comme une image de Agnès Jaoui, Léo - En jouant dans la compagnie des hommes de Arnaud Desplechin, La Vie nouvelle de Philippe Grandrieux, Bronx Barbes d'Eliane de Latour.

FINGERS
Ce qui m'intéressait, c'était surtout ce que FINGERS évoquait pour Jacques. Le personnage de Keitel, cette sauvagerie permanente dans le film... Sinon, je n'ai pas voulu penser au film de Toback, une référence devient trop vite un handicap ; sauf un clin d'oeil, pour la scène de l'audition, où la lumière est très “à la manière de”...

PRÉPARATION
Pendant les premières rencontres avec Jacques, nos discussions étaient simples. Qui est Tom ? Qu'est-ce qui fait que l'on a envie de l'accompagner ? Qui sont ces gens avec qui il travaille ? Qui est ce père étouffant de présence et cette mère envahissante d'absence ? À ce moment-là, cela ne se posait pas en termes formels. En même temps, je ne pense pas que Jacques écrive sans avoir un projet esthétique. Il avait probablement des images en tête. Soit il m'a laissé découvrir le film tout seul, soit, plus certainement, il m'a amené dans une direction... Un réalisateur est autant un directeur d'acteurs qu'un directeur de techniciens. Problèmes techniques mis à part, la réparation sert à laisser le film venir à soi. À partir du moment où l'on est dans cet état d'esprit, prêt à l'accueillir, les choses se font naturellement pendant le tournage. Il faut arriver à une forme d'abandon.

CAMÉRA À L’ÉPAULE
Tout est filmé du point de vue de Tom, on ne s'y soustrait quasiment jamais. Sinon, et c'est immédiat, on sort du film qui est à la première personne du début à la fin. C'est toujours lié à cette histoire d'empathie avec Tom ! La caméra l'accompagne, en plans séquences, à l'épaule... mais de manière discrète. Elle doit devenir un complément organique du personnage, ressentir la même chose, vivre les mêmes événements, se trouver dans la même proximité avec les gens ou dans la même distance. Tourner à l'épaule n'est pas synonyme de fébrilité. En l'occurrence, cela a plutôt à voir avec la respiration des personnages. Dans la scène où ils sont dans le squat et où ils virent tout le monde, la caméra est nerveuse, parce c'est dans le point de vue de Tom. Mais dès que l'on passe sur lui, le plan est fixe. Aussi fixe que lui est concentré sur les scènes d'expulsions... Une manière de montrer qu'il s'éloigne de ses amis.

CLAUSTROPHOBIE
Quand on serre à l'épaule un seul personnage pendant tout le film, on court le risque de la claustrophobie. Si on étouffe le personnage, on étouffe le spectateur ! C'était essentiel de laisser Tom libre de ses mouvements, même si l'espace est souvent clos et les ambiances très denses. On était là, avec lui, sans distance. S'il tendait l'oreille, il devait entendre le bruit de la caméra, peut-être même celui de nos respirations. Je me suis extrêmement bien entendu avec Romain Duris. C'est très enthousiasmant de tourner avec un comédien aussi conscient de la caméra. Comme s'il composait le cadre... Ce serait intéressant de savoir à quel point il s'en doutait. Romain était toujours très concentré, toujours “très sur le motif” comme dirait Jacques.

OBSCURITÉ
Tom est très avenant, très aimable. Il peut jouer du piano dans un bar, sait être de bonne compagnie mais il ne se révèle pas. Il doit être acculé pour commencer à se révéler. Il n'est jamais aussi à l'aise que dans l'obscurité. Dans son appartement, il vit dans l'ombre même en plein jour. Ce qui était important pour moi, c'était de savoir jusqu'où je pouvais ne pas l'éclairer et dans quelles limites il supportait les images sombres. C'est beaucoup ça que raconte le film, tout ce temps mis par quelqu'un pour se révéler à soi-même. Pour moi il y a un plan clé : quand il sort de l'audition, il marche dans une rue qui est partagée entre ombre et lumière, avec un contraste très fort, très agressif. À la fin, quand la caméra arrive sur lui, il est en pleine lumière, ébloui par le soleil. Il vient d'échouer à son audition mais il a appris quelque chose. C'est un échec, mais il est devenu Tom.

APAISEMENT
L'endroit le plus lumineux et le plus apaisé du film, c'est l'appartement de Miao-Lin, où il prend ses cours de piano. Même s'il ne réussit pas toujours à jouer comme il l'entend, il y a moins de tensions, en tout cas en termes de lumière. Sauf “la première fois”, quand la négociation avec elle, dans l'obscurité d'un couloir, rappelle la transaction avec une prostituée. Il donne l'argent et elle lui montre le piano qui est dans sa chambre.

FILMER LES FEMMES
On s'identifie tellement au personnage de Tom que l'on suit, que l'on ne peut plus filmer autrement qu'à travers ses yeux. Du coup, c'est compliqué de filmer Aline/Aure ou Chris/Emmanuelle parce que Tom n'est pas à l'aise avec elles. On en revient toujours à son refus de s'impliquer dans une relation. À l'inverse, filmer Miao-Lin était évident. Tellement évident que personne n'est choqué qu'elle parle en vietnamien, qu'il lui réponde en français et qu'ils se comprennent parfaitement. Avec elle, il y a cet enjeu de l'audition, c'est purement fonctionnel. Mais de cours en cours, c'est le seul endroit où il se pose, où il souffle... Deux scènes dans la cuisine, quelques mots, un début de complicité...

FILMER LE CRIME
Il n'y a qu'au cinéma que l'on tue facilement. C'est extrêmement compliqué de tuer un homme, c'est tellement violent. Dans l'épilogue, quand Tom renonce à tuer Minskov, la caméra reste avec lui. Si elle revenait sur le visage de Romain, on serait dans l'observation du personnage, comme pour montrer au spectateur que Tom a compris quelque chose. Or la caméra n'est pas là pour donner ni d'indices, ni de leçons.

(extrait du dossier de presse)

Entretien avec Juliette Welfling, Monteuse du film "De battre mon coeur s'est arrêté"

Juliette Welfling a monté tous les films de Jacques Audiard. Elle a également, entre autres films, travaillé sur Bernie de Albert Dupontel, Déjà mort et Le Petit Poucet de Olivier Dahan, Une affaire de goût de Bernard Rapp, La Guerre à Paris de Yolande Zaubermann, Janis et John de Samuel Benchetrit, RRRrrrr !!!! de Alain Chabat....

CONSTRUCTION
J'ai monté tous les films de Jacques Audiard et je ne sais pas comment il se débrouille pour faire des films dont la construction est si compliquée à trouver. Dans DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ, il y a peu de scènes, ce qui donne au récit un aspect de chronique. À part la mort du père ou la rencontre avec Minskov, aucune échéance n'imposait un ordre particulier. Du coup, certaines scènes devenaient quasi interchangeables, ce qui nous donnait une grande liberté de montage. Et c'est cette même liberté qui a rendu le montage si difficile.

DURÉE ET DISPROPORTION
Certaines scènes qui ne sont pas très importantes pour l'histoire du personnage, durent paradoxalement assez longtemps, tandis que d'autres, très courtes, la font vraiment avancer. Par exemple, la scène dans laquelle il drague la petite copine de Minskov, dans une cabine à la piscine, est une scène tournée quasiment en temps réel. Pourtant, cette fille n'a presque aucune importance dans la vie de Tom, contrairement à Aline dont il est amoureux, mais pour laquelle on avait peu de matériel... Un plan où il lui téléphone, un autre où il regarde ses jambes dans l'escalier, un autre où ils sont au lit. L'enjeu était alors de réussir la cohabitation de plans disproportionnés les uns par rapport aux autres et de faire que les personnages qui ont une importance dans sa vie en aient une pour nous aussi.

LE POINT DE VUE DE TOM
Tom est omniprésent, on s'est aperçu que les choses ne marchaient que de son point de vue à lui. Jacques, par exemple, avait tourné un plan montrant Chris hors du regard de Tom, nous n'avons jamais pu le monter, cela ne marchait pas. C'est comme si le film avait développé des anti-corps et rejetait tout ce qui n'était pas dans le regard du héros.

CONTINUITÉ PSYCHOLOGIQUE
Faire qu'il y ait une continuité psychologique, c'est ce qui se joue dans l'agencement des scènes les unes par rapport aux autres... Prenons l'exemple de la scène où Tom a un choc esthétique en regardant la silhouette d'Aline se découper en contre-jour dans l'encadrement d'une porte. Si juste après il y avait une scène où il était d'une humeur de chien chez sa prof de piano, cela ne fonctionnait pas. Ce personnage a une ligne psychologique. Au début, il ne pense qu'à son boulot, à son fric, à ses magouilles. Et puis, petit à petit, il va vers autre chose. Nous avons essayé de renforcer cette idée déjà omniprésente dans le scénario. Même si le montage c'est l'art du bidouillage et qu'on chamboule tout, le résultat à obtenir est que cela ressemble le plus possible au scénario. Tom devait absolument suivre un chemin, se transformer, grandir, devenir amoureux. C'est difficile de raconter le parcours d'un personnage unique ! Aura-t-il assez de ressources pour nous intéresser, nous surprendre, nous toucher durant une heure quarante-cinq ?

TOM, PIANISTE ET FILS DE SON PÈRE
Dans le scénario de départ, il y avait une scène de boîte de nuit dans laquelle Tom jouait une chanson d'Axel Red au piano. C'était la deuxième ou troisième séquence. Après de longues discussions, cette scène a été coupée... Aussi bien que soit cette scène, elle présentait un Tom déjà trop différent de ses acolytes, trop du côté de l'art, trop prédestiné... Alors que l'idée était plutôt de lui faire faire le chemin, de montrer ses doutes, ses progrès, ses accélérations. Si la situation de départ ne change pas, cela ne peut pas fonctionner : le piano devient une chose comme une autre. Quand il se met au piano, je crois que l'on est tout de même un peu surpris. Dans FINGERS, c'est vrai que Harvey Keitel est au piano dès le premier plan. Mais le personnage de Tom n'est pas si azimuté, si violent, son destin n'a rien à voir. Dans DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ, c'est plus l'histoire des rapports d'un fils à son père. Le piano, pour Tom, c'est aussi un moyen. Ça lui permet de changer, de s'éloigner de son père et finalement de passer à l'âge adulte. DE BATTRE MON COEUR S'EST ARRÊTÉ raconte d'avantage l'histoire de ce fils et de ce père que l'histoire d'un malfrat qui veut réussir une audition.

(extrait du dossier de presse)

Le site officiel du film

La fiche IMDB

Un article de L'écran large

Un article du Nouvel Observateur

Un article de Fluctuat.net

Les photos

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2006-09-26T15:26:00.000+02:00

Si vous venez vous promener par ici, vous connaissez déjà les rubriques de "Tout le cinéma que j'aime".

Quels seront les prochains films, réalisateurs, acteurs présentés?

Petite liste en vrac et non exhaustive pour vous mettre l'eau à la bouche :

Quelques films à venir:
Les 400 coups, Le doulos, Some Like it Hot, Beaucoup de bruit pour rien, Honni soit qui mal y pense, Dr Folamour, Les demoiselles de Rochefort, Edward aux mains d'argent, Le jour se lève, Les tontons flingueurs, Rio Bravo, Casablanca, Le port de l'angoisse, Shining, Stalker, The Big Lebowski, Le salon de musique, Mulholland Drive, La soif du mal, A la verticale de l'été, Céline, Lantana, Brazil, Le mépris, Far from heaven, Monsieur Verdoux, La fin d'une liaison, L'aventure de Mme Muir, Mon oncle, Coup de torchon, Laura, Un éléphant ça trompe énormément, et tant d'autres....

Quelques réalisateurs :
Alfred Hitchcock, Andreï Tarkkovski, Stanley Kubrick, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Orson Welles, Clint Eastwood, JL Mankiewicz, Charlie Chaplin, Otto Preminger, Billy Wilder, Bertrand Tavernier, K. Kieslowski, ...

Quelques acteurs :
Cary Grant, Robert de Niro, Kirk Douglas, Burt Lancaster, Jean Gabin, Jean-Louis Trintignant, Michel Piccoli, et beaucoup d'autres...

Quelques actrices :
Audrey Hepburn, Grace Kelly, Gene Tierney, Ava Gardner, ...

Sans compter les fiches "Flashback", les extraits de BOF, les courts-métrages de films d'animation, les extraits de films, les bandes-annonces, les interviews, les photos, les meilleurs sites web... Et de nouvelles rubriques qui seront proposées au fur et à mesure.

Du bonheur en perspective pour tous ceux qui aiment le cinéma.

Court-métrage d'animation "A Hard Day's Night"

2006-09-24T00:08:00.000+02:00

Musical

A hard day's night (2003)

Court-métrage d'animation "Delivery"

2006-09-22T00:04:00.000+02:00

De la belle ouvrage !

Delivery

Flashback 2006 : Syriana

2006-09-21T15:40:00.000+02:00

Flashback 2006

"Syriana" de Steven Gaghan

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La bande annonce

Syriana est un film géopolitique américain réalisé par Stephen Gaghan.

L'histoire :

Le géant de l'énergie Connex gère et contrôle d'importants gisements de pétrole dans un pays dirigé par la famille al-Subaai. Cependant, le ministre des affaires étrangères et fils de l'émir au pouvoir, le prince Nasir (Alexander Siddig), passe un accord autorisant une compagnie chinoise à des droits de forage dans son pays. Les actions de Nasir remettent en cause les intérêts de l'industrie pétrolière américaine et du gouvernement américain. Dans le même temps, une petite compagnie pétrolière du nom de Killen parvient à obtenir l'exclusivité des droits de forage au Kazakhstan. La Connex, qui a perdu ses marchés, a besoin des gisements du pétrole kazakhe. Ils fusionnent avec Killen pour compenser les pertes, et deviennent le cinquième groupe pétrolier mondial. Cependant, des enquêteurs anti-trust du ministère de la justice américain ont des soupçons de corruption autour de cette fusion. Le cabinet juridique de Washington dirigé par Dean Whiting (Christopher Plummer) est chargé d'éclaircir l'affaire, qui est confiée à Bennett Holiday (Jeffrey Wright)

À la manière du scénario du film Traffic, Syriana se concentre précisément sur l'influence de l'industrie pétrolière , à travers les destins croisés d'un agent de la CIA (George Clooney), un expert en ressources énergétiques (Matt Damon ) un mandataire (Jeffrey Wright) et un jeune ouvrier pakistanais sans emploi dans un émirat du Golfe Persique (Mazhar Munir ). est constituée de plusieurs histoires indépendantes afin de décrire une épidémie globale.

Le scénario de Stephen Gaghan est librement adapté des mémoires de Robert Baer, La Chute de la CIA (See No Evil) George Clooney est l'un des producteurs exécutifs du film.

Le tournage a débuté le 2 août 2004 et s'est déroulé aux États-Unis, au Maroc, à Dubaï , en Egypte et à Genève.

L'actrice Greta Scacchi avait interprété le rôle de la femme de Bob Barnes (George Clooney) et de la mère de Robby Barnes (Max Minghella), mais il fut coupé au montage.

Robert Baer, l'auteur de La Chute de la CIA, sur lequel est basé le film, fait une petite apparition en tant qu'agent de la sécurité de la CIA.

L'actrice Michelle Monaghan s'était initiallement vu proposer un rôle important, mais lors de projections test, le public trouva le film trop long. Comme son rôle concernait une intrigue parallèle, les scènes en question furent supprimées du scénario.

George Clooney a été grièvement blessé lors du tournage de la scène de torture.

Le film a obtenu de nombreuses récompenses :

Prix de la meilleure distribution, lors des Boston Society of Film Critics Awards 2005.
Nomination à l'Oscar du meilleur scénario et Oscar du meilleur second rôle masculin pour George Clooney en 2006.
Nomination au prix du meilleur second rôle masculin pour George Clooney, lors des BAFTA Awards 2006.
Golden Globe du meilleur second rôle masculin pour George Clooney et nomination au Golden Globe de la meilleure bande originale en 2006.
Oscar du meilleur second rôle pour George Clooney et nomination pour le meilleur scénario original pour Stephen Gaghan en 2006.

(Merci à Wikipédia pour cette fiche)

Le site officiel du film

La fiche sur Internet Movie DataBase

Une critique du film

Le site "Syriana Le débat" autour de la crise du pétrole

Un extrait

Un deuxième extrait

Le tournage

Interview de George Clooney

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Court-métrage d'animation "Fin d'été"

2006-09-21T00:03:00.000+02:00

Poétique, superbe !

Fin d'été

Court-métrage d'animation "Grandma's Happy Fist"

2006-09-20T00:00:00.000+02:00

Une adaptation du conte de Perrault qui déménage.
Quand le petit chaperon rouge découvre la culture asiatique...

Grandma's Happy Fist

Court-métrage d'animation "Le plombier"

2006-09-19T23:56:00.000+02:00

Du beau boulot d'animation 3D

Le plombier

Court-métrage d'animation "Il descend de la montagne"

2006-09-19T23:54:00.000+02:00

Papier toilette quand tu nous tiens !

Il Descend De La Montagne...

Court-métrage d'animation "Merveilleusement gris"

2006-09-18T23:50:00.000+02:00

De l'humour noir, une belle mise en scène.
Que demander de plus ?

Merveilleusement gris

Jacques Demy, poète du coeur et de l'esprit

2006-09-18T16:01:00.000+02:00

"Je préfère idéaliser le réel, sinon pourquoi aller au cinéma ?"

Jacques Demy est le seul réalisateur, oui le seul, rapppelons-le, à avoir connu le succès international dans le domaine de la comédie musicale hors des Etats-Unis. Cette particularité serait déjà largement suffisante pour mériter un article. Deux de ses films sont totalement chantés, et comme il aimait à l'expliquer il y a longtemps "en-chantés" : "Les parapluies de Cherbourg" et "Une chambre en ville".

Ces deux films éminemment musicaux sont aussi éminemment politiques et sociaux (le contexte de l'émancipation des jeunes femmes, la guerre d'Algérie pour "Les parapluies", le monde du travail, du conflit social pour "Une chambre..."

Une des manières de rappeler aussi, peut-être que les comédies musicales peuvent aussi être des comédies humaines et sociales.

Bien sûr, Jacques Demy est le réalisateur parfait du parfait "Les demoiselles de Rochefort", qui est à mon avis - parfaitement subjectif et parfaitement assumé aussi - le plus parfait film français.

Un prochain article sur ce film vous livrera ma modeste analyse. Jacques Demy était un poète, d'abord et avant tout. De même que la pellicule est dite "sensible", de même est le poète aux choses et aux gens, sans quoi il n'est rien. Et c'est ce qu'était Jacques Demy, sensible, délicat, plein d'esprit. Ses films sont le parfait reflet de sa sensibilité. De son exigence aussi. Demy était capable de faire repeindre toute une ville pour les besoins d'un tournage, et au passage de l'embellir, de la faire renaître, d'en rendre fiers tous ses habitants. C'est ce qu'il fit à Rochefort. Le très beau documentaire d'Agnès Varda - sa compagne et la mère de leur fils Mathieu Demy, comédien - "Les demoiselles ont eu 25 ans" montre de très jolie façon ce que fut le tournage du film et les traces laissées un quart de siècle plus tard.

Demy était aussi le cinéaste des ports :

-"Lola" tourné à Nantes,

- tout comme "Une chambre en ville" déjà cité, -"Les parapluies" à Cherbourg, -"Les demoiselles" à Rochefort, -"Trois places pour le 26" à Marseille. Cinéaste des ports, donc aussi de l'eau, élément fluide, comme l'était sa mise en scène. Elément avec lequel il faut composer, négocier, comprendre, respecter pour ne pas s'y noyer. Cinéaste des départs, des adieux, des oublis.

Demy est aussi le réalisateur de "Peau d'âne", merveilleux film de merveilleux. La redite est volontaire.

Demy est le cinéaste du merveilleux, celui qui, plus encore que Truffaut pourtant auteur de la formule, pense et prouve que le cinéma c'est mieux que la vie! Catherine Deneuve, déjà présente dans "Les parapluies", aux côtés de sa soeur Françoise Dorléac dans "Les demoiselles", irradie de beauté dans "Peau d'âne".
Jacques Perrin, le producteur-acteur qui compte depuis longtemps dans le cinéma français (rappelez-vous, il était déjà producteur de "Z" de Costa-Gavras, ça n'est pas rien), était lui aussi de la partie dans "Les demoiselles" et "Peau d'âne". Il me semble être le reflet physique de Demy. Un style léger, gracile, d'apparence fragile pour une âme trempée, volontaire, engagée. Je crois qu'il y a là plus d'un point commun entre Demy et Perrin.

Jacques Demy utilise la voie du conte, de la fable pour montrer l'homme dans sa vie, ses amours, sa mort. Quand je dis "utilise", je crois d'ailleurs plutôt qu'il est, lui, utilisé par le conte, réellement sous influence, charmé au sens fort, c'est-à-dire envoûté par l'univers du conte et de la fable. Son cinéma agit comme un philtre auquel lui-même, en tant que créateur, n'a pas résisté. Et tant mieux pour nous autres spectateurs ravis du propre ravissement de Jacques Demy, homme-créateur. Pour nous raconter son monde, Demy s'est inventé l'une des plus belles collaborations artistiques du cinéma : son duo musical avec Michel Legrand.

Extraordinaire production de ce couple créateur. Demy aux paroles, Legrand à la musique ont donné naissance à quelques morceaux du patrimoine mondial.

La finesse des thèmes de Demy combinée à la qualité mélodique de Legrand garde tout son charme, toute sa fraîcheur plus de 30 ans après.
La musique de Legrand est bien sûr extraordinaire et a remporté tant de succès qu'il n'est guère besoin de rajouter quoi que ce soit à sa gloire.
Profitez-en donc pour tendre l'oreille aux paroles des chansons écrites par Demy : ironie, modernité le tout sous couvert de la romance.

J'aurais aimé rencontrer cet homme-créateur et lui dire toute la tendresse et l'affection que j'ai pour lui.
Les personnes qui enjolivent notre vie méritent toujours qu'on leur dise merci, ceux qui nous la gâchent étant si nombreux et occupant tellement l'espace !

J'embrasse tendrement Agnès dont j'aime les films et dont je parlerai sans doute dans quelque temps.

Quelques belles choses pour ceux qui aiment Jacques Demy :

D'abord quelques videos, extraits d'émissions de télé...

- vidéo "Jacques Demy, un réalisateur face à des producteurs, Cinéma cinémas"

- video "Jacques DEMY sur ses films, qu'on aime ou qu'on n'aime pas"

- video "Portrait de Jacques DEMY"

- video "Jacques DEMY vu par Michel LEGRAND"

- Jacques DEMY sur son enfance

- video "interview de CATHERINE DENEUVE à l'époque du tournage de Peau d'âne"

Document sur le tournage des "Demoiselles de Rochefort"

Pour écouter des extraits des "Parapluies de Cherbourg" :
Devant le garage

Guy s'en va

Final

Pour écouter des extraits des "Demoiselles de Rochefort" :
La chanson de Simon

La chanson d'Andy

La chanson de Solange

Et bientôt, dans la rubrique "Films", des articles dédiés aux "Demoiselles de Rochefort" et à "Peau d'âne".

Vous souhaitez acheter les films de Jacques Demy ?

Quelques livres sur Jacques Demy :

Court-métrage d'animation "Cliffmaster"

2006-09-17T23:43:00.000+02:00

Un nouveau court-métrage d'animation : pour ceux qui aiment l'alpinisme et l'humour...à froid.

Cliff master

Tous les liens cinéma

2006-09-16T14:49:00.000+02:00

Pour se faciliter ses recherches, quoi de plus simple qu'une liste de liens pointant vers les meilleurs sites Cinéma ?

En visitant ce blog, vous vous rendrez vite compte que vous ne pourrez plus vous en passer.

Tout est là sur cette page.

Merci qui ?

Au fait, n'hésitez pas à me faire connaître ceux qui ne seraient pas encore référencés et qui vous semblent dignes d'être connus.

Une précision :
les sites pointant vers un film spécifique, un réalisateur, un acteur/actrice, etc... sont visibles dans les articles qui leur sont consacrés.

Bonne balade curieuse sur le web.